ROCK, ROCK y otras PASTAS

Discos y Otras Pastas 49

2011-12-03T21:57:00.000-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Esta vez nuestra edición está dedicada a PEARL JAM, celebrando sus veinte años de carrera y su primer concierto en Lima. Este es nuestro menú:

1)Una crónica del concierto de PEARL JAM en Lima.

2)Una revisión de la discografía en estudio de PEARL JAM. Desde el “Ten” hasta el “Backspacer”.

3)Jorge Cañada ha hecho una selección de sus 20 canciones favoritas de Pearl Jam, teniendo en cuenta los 20 años de trayectoria de la banda.

4)Una excelente nota sobre la película PJ TWENY, dirigida por Cameron Crowe. Que trata sobre la trayectoria de Pearl Jam, desde sus inicios hasta nuestros días.

También puedes leerla online en este enlace:

http://issuu.com/otraspastas/docs/discosyotraspastas_49_nov2011?mode=window&viewMode=singlePage

También pueden descargar la revista en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=W6U13AKW

Qué lo disfruten.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

Discos y Otras Pastas 48

2011-10-27T11:17:00.001-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Una crónica del concierto que ERIC CLAPTON dio en Buenos Aires a mediados de este mes.

2)Analizamos los álbumes de Poly Styrene y The Vaccines. Serios candidatos al disco del año.

3)Revisamos el videojuego Xenoblade Chronicles y los libros “Aeropuertos (Alberto Fuguet) y “David Golder”(Iréne Nemirovsky)

4)Y como hay discos que están de aniversario, tenemos una sabrosa nota sobre los 20 años del “Achtung Baby” de U2.

LECTURA ONLINE:

http://issuu.com/otraspastas/docs/discosyotraspastas_48_oct2011?mode=window&viewMode=singlePage

También pueden descargar la revista en este enlace:

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DISCOS Y OTRAS PASTAS 47

2011-09-30T13:40:00.000-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Una breve impresión del concierto que ofreció la banda WILCO en New York.

2)Analizamos los discos de Woods, Ty Segall y de la banda peruana Los Zapping.

3)Revisamos el videojuego Alice: Madness Returns

4)Debido a la separación de R.E.M., aprovechamos para darles nuestro cariño y agradecimiento tomando como pretexto uno de sus últimos conciertos grabados oficialmente.

5)Y como hay discos que están de aniversario, tenemos notas sobre los 30 años del “Talk Talk Talk” de The Psychedelic Furs y los 20 años del “Nevermind” de Nirvana.

DESCARGA:

http://www.megaupload.com/?d=DMSP9NTI

Qué lo disfruten.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

Discos y Otras Pastas 46

2011-09-01T20:30:00.001-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Analizamos los discos de Eddie Vedder, Hot Tuna y Low.

2)Revisamos los libros de Luis Nieto Degregori y Maynor Freyre

3)Revisamos el videojuego L.A.NOIRE.

4)Analizamos la película “New York, te amo”

5)Un homenaje a AMY WINEHOUSE a cargo del escritor argentino Andrés Neuman

6)Conoce a la banda peruana Viacario

LINK de descarga:

http://www.megaupload.com/?d=J3DZ9O8S

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DISCOS Y OTRAS PASTAS 45 (julio 2011)

2011-07-27T11:14:00.000-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Homenaje a Leonard Cohen por el premio Príncipe de Asturias

2)Revisamos lo último de Foo Fighters y Neil Young

3)Revisamos el videojuego Shadows of Damned

4)Un sabroso artículo sobre el libro Apuntes Autistas de Alberto Fuguet

5)Un homenaje a los cuarenta años del LED ZEPPELIN IV

6)Reseñas de los libros “Poesía en rock” y “Orquídeas del Paraíso”

También pueden descargar la revista en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=R1HJ7ZVB

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Discos y Otras Pastas 44

2011-05-16T23:28:00.002-05:00

Crónica del concierto de Paul McCartney y del soundcheck, un repaso a su principal discografía solista y una entrevista a las chicas que cantaron con él.

Descárgalo aquí:

www.megaupload.com/?d=MOCJGA58

O pídelo a otraspastas@gmail.com

Discos y Otras Pastas 42

2011-03-24T11:45:00.002-05:00

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Revisamos el “Collapse into Now” de REM.

2)Nuestra lista de los 46 discos de febrero del 2011 que más nos gustaron. Y con links para su descarga.

3)Revisamos el videojuego DEAD SPACE 2.

3)Un jugoso artículo sobre la película EL LUCHADOR, que se llevó el Oscar por el mejor actor secundario en Bale.

4)En la sección libros: “Suite Francesa” de la genial Irène Némirovsky y “Gracias Señor por tu venganza” de Javier Arévalo.

5)Además, presentamos a nuestros amigos de BOCANEGRA.

También pueden descargar la revista en este enlace:

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Qué lo disfruten.

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Mixtape - Otras Pastas (Febrero 2011)

2011-03-21T17:08:00.002-05:00

Si Enero se vio enriquecido con lanzamientos de calidad (descargar complidado AQUI), pues, Febrero también salio ganando, ya que fue bombardeado con una considerable cantidad de álbumes buenos, entre los que destacan muchos solistas o grupos femeninos como Adele, La Sera, The Go Team o Emliy Arin. Nuestro Mixtape de Febrero consta de 46 canciones y para facilitar su descarga ha sido dividido en 2 partes:

PRIMERA PARTE: http://www.mediafire.com/?z9tauolgve3bkbp
ARTISTA - "ÁLBUM"

Adele-"21"
Alexander Ebert-"Alexander"
Arbouretum-"The Gathering"
Beady Eye-"Different Gear, Still Speeding"
Big Head Blues Club-"100 Years Of Robert Johnson"
Black Pistol Fire-"Black Pistol Fire"
Bright Eyes-"The People’s Key"
Buddy Miller-"Majestic Silver Strings"
Chain & The Gang-"Music's Not For Everyone"
Clockcleaner-"Nevermind"
Cowboy Junkies-"Demons"
David Dondero-"A Pre-Existing Condition"
David Lowery-"The Palace Guards"
DeVotchKa-"100 Lovers"
Drive-By Truckers-"Go-Go Boots"
Dropkick Murphys-"Going Out In Style"
Emily Arin-"Patch Of Land"
Five O'Clock Heroes-"Different Times"
Funeral Party-"The Golden Age of Knowhere"
G. Love-"Fixin’ To Die"

SEGUNDA PARTE: http://www.mediafire.com/?xbi4xq2x61or49k
ARTISTA - "ÁLBUM"
Jessica Lea Mayfield-"Tell Me"
La Sera-"La Sera"
Left Lane Cruiser-"Junkyard Speed Ball"
Lifeguards-"Waving At The Astronauts"
Little Comets-"In Search of Elusive"
Loch Lomond-"Little Me Will Start A Storm"
Lucinda Williams-"Blessed"
Marcellus Hall-"The First Line"
Rachel Goodrich-"Rachel Goodrich"
Saigon-"Greatest Story Never Told"
Sarah Lee Guthrie & Johnny Irion-"Bright Examples"
Sean Rowe-"Magic"
Tahiti 80-"The Past, The Present & The Possible"
Teddy Thompson-"Bella"
The Babies-"The Babies"
The Builders And The Butchers-"Dead Reckoning"
The Disciplines-"Virgins Of Menace"
The Fervor-“Arise, Great Warrior”
The Go! Team-"Rolling Blackouts"
The Joy Formidable-"The Big Roar"
The Low Anthem-"Smart Flesh"
The Twilight Singers-"Dynamite Steps"
Those Dancing Days-"Daydreams And Nightmares"
Vanity Theft-"Get What You Came For"
Winter’s Fall-"At All Angles"
Yuck-"Yuck"

A continuación, algunos videos de las canciones del mixtape:

2011-02-25T10:36:00.002-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 41

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Revisamos el “Promise”, álbum que BRUCE SPRINGSTEEN guardó por más de 30 años.

2)Nuestra lista de los 20 discos de enero del 2011 que más nos gustaron.

3)Revisamos los videojuegos VANQUISH, GOLDENEYE 007 y LOST IN SHADOW.

3)Un jugoso artículo sobre el excelente documental roquero: ANVIL! LA HISTORIA DE ANVIL

4)En la sección libros: “¿Cuánto cuesta matar a un hombre?” del periodista José Castaño y “Pudor” del premiado Santiago Roncagliolo.

5)Además, presentamos a nuestros amigos de NITRO, banda limeña de rock convencional con influencias de Nickelback.

Descarga la revista en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=V8CPNKAI

Qué lo disfruten.

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2011-02-11T12:18:00.001-05:00

MIXTAPE - OTRAS PASTAS (ENERO 2011)

En Enero han salido hartos buenos discos (¡y eso que recién estamos empezando el año!). Después de haber escuchado más de 50 álbumes he hecho una selección de los 20 discos que más me han gustado.

A continuación les ofrezco para su descarga (link abajo) un compilado (mixtape) con las 20 canciones más representativas de estos álbumes (en orden alfabético):

AUTOR - "CANCIÓN" (ÁLBUM)

Amos Lee - "Violin" (Mission Bell)

Apex Manor - "Southern Decline" (The Year of Magical Drinking)
Aquabats - "Radio Down" (Hi Five Soup)
Cage The Elephant - "Always Something" (Thank you, Happy birthday)
Cake - "Long time" (Showroom of Compassion)
Daniel Martin Moore - "Dark Road" (In the Cool of the Day)
Deerhoof - "Qui Dorm, Només Somia" (Deerhoof vs. Evil)
Dolorean - "The Unfazed" (The Unfazed)
Edie Brickell - "Give it Another Day" (Edie Brickell)
Iron and Wine - "Tree by the River" (Kiss Each Other Clean)
Monotonix - "Before I Pass Away" (Not Yet)
Shilpa Ray - "Heaven in Stereo" (Teenage and Torture)
Sidí Touré - "Adema" (Sahel Folk)
Smith Westerns - "Weekend" (Dye It Blonde)
Tapes n' Tapes - "SWM" (Outside)
Tennis - "Long Boat Pass" (Cape Dory)
The Decemberists - "Don't Carry It All" (The King Is Dead)
The Ex - "Double Order" (Catch My Shoe)
Wanda Jackson - "Shakin' All over" (The Party Ain't Over)
Young the Giant - "My Body" (Young The Giant)

DESCARGA

Aquí algunos videos para que se den una idea del compilado:

2011-02-02T15:25:00.001-05:00

THE WHITE STRIPES: el final anunciado de una gran banda

Hoy 2 de febrero es un día triste para el rock: THE WHITE STRIPES han anunciado su separación. "Ahora la banda ya no les pertence a Meg y Jack, sino a ustedes, y pueden hacer con ella lo que deseen", reza una parte del comunicado oficial.

Gracias a The White Stripes la primera década del milenio tuvo rock-blues-garage genuino, desenfadado, desenfrenado, minimalista, excitante...

Cuando en el 2007 el dúo cumplió 10 años, hice un especial biográfico que salió en la revista DEMO y que luego publiqué en mi otro blog. A continuación los enlaces:

http://henryflores.blogspot.com/2007/05/franjas-de-simpleza-delirio-y-rock.html (1era parte)

http://henryflores.blogspot.com/2007/05/franjas-de-simpleza-delirio-y-rock_27.html (2da parte)

http://henryflores.blogspot.com/2007/06/white-stripes-tercera-parte-un.html (3era parte)

http://henryflores.blogspot.com/2007/06/franjas-de-simpleza-delirio-y-rock.html (4to parte)

Ojalá los futuros proyectos de Jack y Meg puedan llenar en algo el gran vacio que deja esta genial banda. THE WHITE STRIPES forever!!!

Los dejo con algunos videos a manera de retrospectiva.

"The Big Three Killed My Baby"(1998)

"Death Letter" (2000)

"Fell in Love with a Girl" (2001)

"Seven Nation Army" (2003)

"Blue Orchid" (2005)

"Icky Thump" (2007)

"Under Great White Northern Lights" Trailer (2009-2010)

2011-01-24T16:29:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 40

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Revisamos el KILL GIL, el disco de retorno del genial CHARLY GARCÍA.

2)Nuestra lista de los discos y videojuegos del 2010 que más nos gustaron.

3)Revisamos los videojuegos BAYONETTA, DISNEY EPIC MICKEY y DECAY.

3)Un jugoso artículo sobre la película: HEDWIG AND THE ANGRY INCH.

4)En la sección libros: “Verano” del Nobel J.M. Coetzee y una de las tantas antologías de José María Arguedas.

5)Además, presentamos a nuestros amigos de ALQUIMIA, banda argentina que se decanta por el rock clásico sicodélico.

Lo pueden descargar en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=S42R2UR3

Qué lo disfruten.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2011-01-13T11:48:00.011-05:00

EN LOS PREDIOS DE LA IMAGINACIÓN:
LAS MIL NOCHES Y UNA NOCHE

Escribe: Rogelio Llanos Q.

Ilusión de cada mañana
Amor por la tarde
Fantasía nocturna
Ritual del amor

1.

Acabamos de concluir la relectura de Las Mil Noches y Una Noche (Alfaguara, 2010), pieza teatral de Mario Vargas Llosa, en la que el autor, inspirado por el cariño hacia aquellos relatos emocionantes que han alimentado su mundo imaginario desde sus tiempos de adolescencia, da vida a Sherezada y Sahrigar, dos personajes únicos y fantásticos, que habitan un espacio singular, dedicado exclusivamente para compartir los goces del amor físico y darle curso al placer de soñar y fantasear historias fascinantes de amores esquivos y amores felices, amores furtivos y amores fugaces, amores pícaros y amores apasionados, amores que se debaten, resuelven o desvanecen en medio de aventuras memorables, maravillosas.

Un espacio cerrado. Una habitación de un palacio construido en un país muy lejano y un tiempo remoto. Un hombre apasionado y fiero persiguiendo infatigablemente el placer y la venganza. Una mujer atractiva y bella, inteligente y misteriosa capaz de desafiar el peligro cada día y capaz de fascinar con su cuerpo y hechizar con su arte y sus habilidades a su hombre, aquél que, altivo y tronante, la quiso hacer su esclava y que ahora yace, enamorado y sumiso, a sus pies.

A lo largo de casi tres años Sherezada relata ficciones de amor y aventuras a Sahrigar. Traicionado por sus mujeres mientras guerreaba, Sahrigar ha abrigado un odio irreductible hacia ellas. Dueño del destino de sus súbditos ha ideado una venganza a la altura de su poder: desposará a una joven cada día y luego de gozar con ella a lo largo de la noche, la hará ejecutar al despuntar el amanecer.

Tal es la historia que da origen a los interminables relatos que componen el clásico de la literatura universal. Según expresa el mismo Vargas Llosa en un hermoso prólogo titulado Contar Cuentos, la adaptación minimalista de ese conjunto de ficciones, cuyos orígenes reposan en las culturas persa, india y árabe, fue llevada a las tablas en el año 2008 teniendo como intérpretes al mismo autor y a la encantadora actriz española Aitana Sánchez Gijón (1).

Una pequeña digresión. En la gran pila de libros que reposan sobre la pequeña mesita de nuestra biblioteca hay algunos que corresponden a nuestros escritores predilectos. Ellos, especialmente los de nuestros autores más queridos, están a la espera de aquellos momentos en los cuales lanzamos nuestras señales de emergencia y apelamos a su ayuda, compañía y afecto.

Efectivamente, allí sobre esa mesa, encontramos El Asedio (Alfaguara, 2010), de Arturo Pérez Reverte, listo para trasladarnos exultantes, con su ímpetu aventurero, al Cádiz del siglo XIX. Junto a él, las crónicas y artículos de Cuando Éramos Honrados Mercenarios (Alfaguara, 2009), del mismo autor, y al que conociéramos cuando a nuestros predios llegó el descreído Capitán Alatriste y sus ecos del Dumas de D’artagnan y sus mosqueteros, está en esa reserva que guardamos ex profeso para paliar inevitables melancolías y nostalgias. La serie de textos de Joseph Conrad reunidos en el libro de pasta dura denominado Fuera de la Literatura (Siruela, 2009), lo estamos guardando para aquellos tiempos en que errantes y vulnerables, intentemos encontrar, como muchas veces en el pasado, el norte perdido. De vez en cuando, lo abrimos, leemos un párrafo saboreando su cuidadísima construcción y abrigando luego la ilusión de volver a estas páginas en los días siguientes.

Y junto a ellos y muchos otros, en una paleta la mar de heterogénea –Fuguet, Pamuk, Gordimer, McCarthy- estaban hace poco el original cuento infantil de Mario Vargas Llosa, Fonchito y la Luna (Alfaguara, 2010), y la edición pulcra y vistosa de Las Mil Noches y Una Noche. Ya no están allí, están por ahora sobre nuestra mesa de noche, saturada de libros y libretas de notas, a donde tornamos cada noche para tomarlos en nuestras manos, hojearlos, acariciarlos, repasar algunos párrafos y disfrutar de aquellas frases y ficciones que se originaron en algún momento en el imaginario de un escritor acosado por sus fantasías, por sus fantasmas y por aquel deseo invencible y persistente de convertir en realidad sus sueños e ilusiones.

Trece capítulos componen esta obra teatral de Mario Vargas Llosa Y a lo largo de ellos, desde el primero llamado El rey Sahrigar y su nueva esposa hasta el último, La última noche es la primera noche, la aventura, el amor, el sueño y el erotismo, impregnan cada una de sus páginas.

Ya hemos referido que estas historias en las que se basa el texto vargasllosiano alumbraron la adolescencia del escritor, cumpliendo aquella función fertilizadora –un verdadero acto de amor- que, más adelante daría como frutos aquellas novelas que nos han acompañado desde nuestra primera juventud.

El punto de partida de la pieza teatral es la realidad. Aitana y Mario comparten un espacio y dialogan en el tiempo presente. Hay afectos, intenciones y confesiones declarados. Breves, directos, claros. Y de pronto, Mario, inicia el viaje a la ficción: “En un tiempo muy remoto, mítico….” Mario empieza a imaginar otra vida, la vida del rey Sahrigar. Mario empieza a crear para nosotros y lo hace sobre el mismo escenario. Lo podemos ver, lo podemos imaginar. Es la ficción en la ficción.

En torno a él hay hombres, mujeres, niños, adultos, jóvenes y adolescentes que se exaltan con sus historias, que comienzan a vivir para ese momento. Mario es El Hablador, es el protagonista de sus propias ficciones. Es él mismo y es otro, muchos otros.

Como el personaje de su novela, Mario contará y hará que Aitana-Sherezada le cuente, allí sobre las tablas, en ese lugar que Peter Brook denominara realidad alternativa (2), muchas historias que fascinarán al lector-espectador. Como antes ya lo hiciera a través de las creaciones de aquellos inolvidables personajes que pueblan sus novelas: Fushía, Zavalita, Consejero, Don Rigoberto, Fonchito, Gauguin, Flora Tristán,….

Sí, el ‘Había una vez…’ de los cuentos infantiles, está presente en cada una de sus ficciones a las cuales accedemos entusiasmados y exultantes para vivir durante toda esa experiencia en aquel mismo estado en que él descubrió –deslumbrado y curioso- a la tribu machiguenga sentada en torno al fuego abrasador del relato del hablador viajero, del hablador fabulador: un estado de ‘incandescencia espiritual’.

Convertidos ya en Sahrigar y Sherezada, Mario y Aitana, se enfrascan en un duelo verbal que revela la posesión física y la plena satisfacción de los amantes. Pero, cuidado. Hay un misterio por resolver. Sólo ella lo sabe. Sólo ella conoce el enigma de ese capricho femenino que la ha conducido a unirse con el hombre que ella desea. Sólo ella posee el secreto que hará de la relación amorosa y apasionada una experiencia de cada noche y que se prolongará por muchas noches, más allá de la voluntad del feroz rey.

La bella Aitana-Sherezada sabe, sin embargo, que no es la hermosura física lo que garantiza su supervivencia. Sabe que es el misterio que ella guarda celosamente en su interior lo que hará que su hombre la siga amando y deseando al salir el sol cada mañana. Es el dato escondido y que se insinúa al momento de abordar lo que el autor suele denominar los cráteres de sus historias. El Y vivieron felices… sólo es temporal, porque el destino a veces suele empeñarse en jugar con sus criaturas o porque la fértil imaginación de la bella Sherezada, jugando con ese destino o yendo contra él -¿quién lo puede saber si no ella misma?- así lo determinan, así lo deciden.

Acabamos de ver una fotografía de Mario en el periódico. Está sentado frente a su mesa de trabajo. Al fondo unas puertas de vidrio que semejan un gran ventanal por donde pasa la luz natural que baña parcialmente la habitación. No distinguimos bien la expresión del novelista porque la fotografía ha sido tomada ex profeso a contraluz. Detrás de él, en unas repisas adosadas a la pared, hay unas fotografías, probablemente de sus seres queridos. Debajo de las repisas, hay un mueble con cajones, quizás es un archivador. Nos preguntamos, ¿qué tesoros guardará allí? Hacia el lado izquierdo del escritor, está su computadora, y sobre su escritorio, grupos de papeles a uno y otro lado de él.

Todo el espacio encuadrado en la fotografía revela orden y pulcritud. El hombre disciplinado, el hombre que se levanta muy temprano a caminar por las calles de aquel Madrid que lo acogió con amor en diferentes etapas de su vida –y donde lo vimos silenciosamente disfrutar de una hermosa mañana otoñal- se recluye cada día en una oficina, quizá similar a la descrita, para convertirse gracias a la imaginación, en uno o en muchos personajes de ficción sometidos a los avatares del destino, a los caprichos impredecibles del amor, a los juegos perversos y salaces del erotismo o a las inclemencias de universos sociales que, bajo el poder omnímodo de dictadorzuelos, pugnan por destruir los sentimientos libertarios del individuo.

Mario sueña y hace soñar a sus personajes. Si la realidad para el príncipe Camar Asamán (el mismo Mario-Sahrigar) es aburrida, sin atractivos, el sueño, por el contrario, resulta luminoso y pleno de felicidad. Él cree despertar del sueño, y encontrar a su lado a la mujer que en lo más recóndito de su corazón estaba deseando poseer. La mujer deseada se revela no a través del espacio real, sino a través del sueño. El sueño convertido en ilusión: “Estará mal que la acaricie? ¿Que la bese? Mi cuerpo arde de deseo por tocarla…”. Y mientras él duerme, ella con el cuerpo tembloroso y el pulso enloquecido también exterioriza la posesión del deseo: “No puedo resistir el deseo de juntar mis labios con los suyos”. Realidad e imaginación entremezclados. Ambos despiertan y creen ver a su lado a la mujer o al hombre de sus sueños. Y a partir de allí seguirán soñando con los ojos abiertos, correrán sin descanso tras los sueños vividos, tras los sueños que se renuevan y retroalimentan cada día.

La princesa Budur (Aitana-Sherezada), ha enloquecido, dice su padre. Los sueños y las fantasías conducen a ese estado de encandilamiento que aparta al individuo de la burda realidad terrenal. Los molinos de viento ya no son tales, y la felicidad se confunde con el dolor y el dolor envuelve, aguijonea y deleita. Pero no, no es enfermedad, no es locura y tampoco hay hechizo alguno, diagnostica un sabio. Y Mario pone en boca de este hombre (que es él mismo en escena) unas frases tan hermosas como ciertas: “ha caído prisionera de un dios sutil e invulnerable. Está enamorada. Ante el fuego del amor mi ciencia es inútil. No puedo apagar las llamas que abrasan su corazón”.

Sí, porque esa llamas que abrasan el corazón, revelan la pasión de que están embebidos los sueños y que, en El Paraíso en la Otra Esquina, hacen exclamar a Flora Tristán, cuando se dirige a un trabajador refractario a la lucha reivindicativa de sus derechos, “...Me he equivocado, ya lo veo. Usted no es más que un monito saltarín, un pelele más entre los bufones de la burguesía” (3). Y son las llamas del deseo las que inflaman la imaginación del pintor Paul Gauguin, intentando revivir a cada instante la visión de “esas nalgas fruncidas y levantadas por el miedo (de la chiquilla Teha’amana)” (4), imposibles de reproducirlas en la realidad, sólo posibles extraerlas de la imaginación para volcarlas en la pintura anhelada.

Pasión e imaginación tiñen toda la obra vargasllosiana. La pasión como un acicate para vivir. Para vivir con ilusión. Para vivir con dignidad. Para crear. De allí el interés de llevar a las tablas esta adaptación de Las Mil Noches y Una Noche, en la que el poder de la imaginación no sólo permite el disfrute temporal de una relación física, sino que, además, contribuye de manera fundamental a salvar una vida y, más aún, a convertir al bárbaro en un “ser civil, sensible y soñador” (5).

Y es el mismo poder de imaginar el que confiere inmortalidad al bandolero Joao Abade en La Guerra del Fin del Mundo. Joao Abade es buscado fieramente por las fuerzas represivas que han aplastado la revolución del Consejero, pero todos los esfuerzos por encontrarlo son vanos: “¿Quieres saber de Joao Abade?, balbucea su boca sin dientes (de una viejecita sin pelos…que …mira (al militar) a través de sus legañas). Quiero –asiente el Coronel Macedo- ¿Lo viste morir? La viejecita niega y hace chasquear la lengua, como si chupara algo. ¿Se escapó entonces? La viejecita vuelve a negar, cercada por los ojos de las prisioneras. (A Joao Abade) lo subieron al cielo unos arcángeles-dice, chasqueando la lengua-. Yo los vi”. Sí, los vio. Seguro que sí. No lo dudemos. Tal es su ilusión. Y como en ella, la ilusión de muchos que conocieron al bandolero y lo apreciaron. La ilusión capaz de hacerse realidad por la fuerza misma de la imaginación. ¿No es acaso más bella la leyenda que la realidad, según la máxima fordiana?

La princesa Budur (Aitana-Sherezada) alcanzó la felicidad casándose con el príncipe de sus sueños, pero la felicidad y la vida muelle no son creadoras. Y Sherezada lo sabe, más aún si tras el final de su historia, la espera la cimitarra del verdugo. Entonces, el destino cual urdimbre trabajada por manos femeninas, separa a los amantes y los expone, como a Ulises en su dilatado retorno a Ítaca, a los avatares que los dioses y los hombres les deparan.

Y, entonces, nos topamos con aves fantásticas, con grutas misteriosas que esconden en su intimidad oscura y profunda, tesoros maravillosos y con viajes frustrados, ficciones que van dilatando la historia noche tras noche y despertando en el rey Sahrigar mayores expectativas en esta suerte de placer que parece extenderse hacia el infinito conduciéndolo a él hacia ese estado expectante e ilusorio del niño que espera con ansiedad la continuación del cuento amado.

Y mientras tanto, el hechizo de Sherezada ya adquirió un poder letal. Lo imaginado por ella, y compartido por él, se ha convertido en un universo posible. Ella, con su relato apasionado, y él, con su disposición para creer en la existencia de los personajes, en la factibilidad de sus aventuras, y en el deseo ferviente de que alguna vez alcancen la felicidad plena y definitiva, han creado, cual demiurgos privilegiados, un mundo de ensueño en el cual habitar. Y por ello, Sahrigar, confiesa que al pensar en Budur, la imagina con la belleza física de Sherezada.

Tal vez Mario-Sahrigar sufría los tormentos de amor que en otra parte del mundo y en otra época los padecía Galileo Gall: “Muchas noches de estos años, cuando dormía, tentadoras formas femeninas se deslizaban en su cama, se pegaban contra su cuerpo y le arrancaban caricias” (6). Y reafirmando la supremacía de la imaginación sobre la realidad, “Soñó o pensó que le había costado más trabajo resistir a estos fantasmas que a las mujeres de carne y hueso y recordó que…muchas veces había hecho el amor con esas siluetas impalpables que fabricaba su deseo” (7).

¡Cómo se solaza Mario Vargas Llosa describiendo la belleza femenina! ¡Cómo se regodea aludiendo a los goces sexuales! Muchas veces hemos supuesto que uno de los motivos por los cuales se hizo escritor fue para poder describir en detalle las delicias del amor, para poder mencionar los encantos femeninos. Desde su primera novela, La Ciudad y los Perros (Populibros-Seix Barral, 1963), ese gusto por dibujar con su pluma los cuerpos femeninos (“Tenía las piernas gordas, blancas y sin pelos. Eran ricas y daba ganas de morderlas”) o construir los entresijos de las relaciones amorosas (“…la mujer gemía, se jalaba los pelos, decía ‘basta, basta’, pero el hombre no la soltaba; con su mano nerviosa seguía explorándole el cuerpo, rasguñándola, penetrándola”) lo traslada a la ficción como parte de los pasatiempos y discusiones de los personajes que conforman el entorno de Alberto, el Poeta (8). Como el rey Sahrigar, que escucha de la belleza de Budur y piensa en Sherezada, así también el salaz Mario seguramente ha tomado como modelo los encantos de sus musas, de sus mujeres amadas, para construir con creciente sensualidad aquellos memorables personajes femeninos, que desde la inolvidable Pies Dorados (“…vivos, terrestres, carnosos, ‘para tragárselos de un solos bocado…’) recorren la obra vargasllosiana, despertando el deseo de protagonistas y lectores.

Encandilado por la belleza de la mujer que tiene ante él cada noche, de Sherezada-Budur-Aitana, Sahrigar-Mario, habría podido escribir unas frases tan delicadas como certeras: “…cada día –cada noche, más bien- descubro en ella algo nuevo que me enternece: la suave línea de los hombros, el travieso huesecillo del codo, la finura del empeine, la redondez de sus rodillas y la transparencia azul del bosquecillo de sus axilas” (9).

Veinte años de felicidad son nada en la línea infinita del tiempo. Los protagonistas crecen, las relaciones se enturbian, el deseo hace de las suyas y el hilo de la historia se prolonga, teniendo sólo como frontera la capacidad de inventiva de una narradora que posee el enigma de la fascinación, del encanto.

Tras el romance que incluye un menage-a-trois aparentemente feliz, Mario Vargas Llosa nos introduce en las vicisitudes de unos personajes que accediendo a las regiones más recónditas y oscuras del deseo sucumben en ellas y pagan con su vida tal osadía.

Las relaciones incestuosas no son ajenas al universo del autor. Tanto en su vida personal, que sazona segmentos importantes de su obra escrita, y dentro de ella, la ficción misma, como en el campo literario, Vargas Llosa ha hecho mención de las aventuras y desventuras que pasó al enamorarse de su tía Julia y, más adelante, al casarse con su prima Patricia.

La relación con su tía Julia, contada con pelos y señales en su obra de ficción La Tía Julia y el Escribidor (Seix Barral, 1977), es abordada, sin embargo, con mucho desenfado y no poco humor. Es más, tanto esta novela como Pantaleón y las Visitadoras, constituyen relatos en los cuales la imaginación y el humor alcanzan cotas altísimas que el lector no puede evitar la carcajada cómplice y la solidaridad plena con sus personajes, cuyos finales –a despecho del talante de la narración- no tienen que ver de manera alguna con el éxito o el optimismo.

Pero en Elogio de la Madrastra, la relación incestuosa intenta ser aceptada por la mujer como un complemento a su vínculo matrimonial, más allá de goces, dudas e inquietudes. El deseo: “El corazón de doña Lucrecia era un tambor desbocado, un galope ciego”. El descubrimiento: “Se sentía asombrada de su temeridad y –le parecía mentira- ansiosa por abrazar a su marido”. La compensación: “Su amor por él había aumentado”. El recuerdo inevitable: “La figura del niño también estaba allí, en su memoria, enterneciéndola”. El asombro: “¿Era posible que hubiera hecho el amor con él y fuera a hacerlo ahora con el padre? La afirmación: “Sí, lo era. No sentía ni remordimiento ni vergüenza. La duda: “Tampoco se consideraba una cínica”. La justificación: “Era como si el mundo se plegara a ella, dócilmente”. La satisfacción: “La poseía un incomprensible sentimiento de orgullo”.

Goces, placeres, búsqueda de satisfacciones y de felicidad. Los personajes vargasllosianos tienen sus instantes de gozo, de placer físico, hacen explícita su alegría en el encuentro satisfactorio y reconocimiento reconfortante con su quehacer cotidiano. Como Paul Gauguin, como Flora Tristán, personajes emblemáticos de su obra. Pero ese encuentro y ese reconocimiento no garantizan la felicidad. Más bien, es probable que ello sea la fuente de sus frustraciones o de sus derrotas finales.

Las historias que Sherezada-Aitana cuenta en Las Mil Noches y Una Noche no tienen una conclusión. Al momento de detener Sherezada la narración, los personajes, cuyo derrotero ha oscilado entre la decisión propia y los designios de dioses y magos, han arribado a un estado de soledad, de incertidumbre y de desconcierto.

Camar Asamán, la princesa Budur y la bella Hayatanufús probaron las delicias de su relación de a tres, convivieron felizmente durante muchos años y cada una tuvo sus hijos, que a la vez eran hermanos y a los que quisieron convertirlos en sus amantes. El sueño, la ilusión, la fortuna se esfumaron de pronto, a partir de aquellos componentes o piezas que los protagonistas habían colocado en su itinerario vital.

La felicidad absoluta no existe, pero sí es posible acercarse a ella en algunos momentos, efímeros, raudos, de nuestra existencia, pareciera decirnos Vargas Llosa. Para agregar, luego, que esos momentos que nos traen felicidad valen la pena vivirlos, enriqueciéndolos aún más al saber que hay un final incierto o fatal producto de nuestra mortalidad. Dice Sherezada a Sahrigar en su confesión amorosa final: “Saber que, si las historias se terminaban o no lograba interesaros en ella, la cimitarra del verdugo me cercenaría la cabeza, me encandilaba la imaginación”. A lo que Sahrigar agrega: “Y enriquecía tu manera de contarlas…”.

Los cursos de las historias se bifurcan, se amplían, se entrecruzan. Muchas historias, pero, en realidad, una sola, como dice Sherezada, hacia el final de Las Mil Noches y Una Noche.

Sí, una historia frondosa, como un gran río con muchos afluentes, un gran río de aguas cristalinas y misteriosas a la vez, apacibles a veces, violentas otras tantas, como la vida misma. Historias maravillosas, nacidas de la fértil imaginación de una mujer que encandiló con su talento y sensibilidad al hombre cruel y primitivo, y lo llevó, gracias al amor, hacia los predios de la comprensión y la justicia, de la ternura y los afectos.

Y mientras Sherezada y Sahrigar se funden en la oscuridad de la noche de los tiempos para disfrutar de las delicias del amor descubierto, el escritor y la actriz permanecen sobre el escenario, aún hechizados por ese universo de sueños y ficciones, tentados por la maravillosa posibilidad de extraviarse para siempre en ese laberinto de historias, en ese portentoso mundo imaginario donde todo es factible y donde es posible decir o escribir “Y vivieron felices…”.

10.

La noche de aquel día que ya pasó a formar parte de la historia cultural de nuestro país –cuando se dio la noticia del otorgamiento del Nobel para Mario Vargas Llosa- parados frente a la pila de libros que crece y crece sobre la pequeña mesita de nuestra biblioteca, pensamos por breves momentos en las sorpresas que suele darnos la vida. “Hoy fue un día diferente, hoy fue un gran día”, nos dijimos con una profunda alegría nacida de ese cariño inmenso que tenemos por aquel creador de ficciones que nos acompañan desde nuestra juventud, desde aquella ocasión –allá por 1970- en que leímos con curiosidad y no poca desazón, esa edición de Los Cachorros, con empaste grueso y fotografías incluidas.

Vargas Llosa fue el primer autor latinoamericano que leímos en nuestra adolescencia. Recordamos haber vuelto una y otra vez a este libro, golpeados por el destino del personaje –Pichula Cuéllar. Y un pensamiento recurrente en aquellos años en que el deseo hacía presa de nosotros nos traía casi invariablemente el temor de vivir una experiencia traumática como la de este personaje. Quizás la lectura de la novela hizo que fuéramos aún más conscientes de los cambios orgánicos y físicos que estábamos experimentando en nuestro paso hacia la adultez. Y quizás, por ello mismo, los goces de la sexualidad descubierta fueron tan intensos y tan gratificantes.

Muchos recuerdos pasaron por nuestra mente en los brevísimos momentos que estuvimos parados frente a la pila de libros y, luego, frente a los anaqueles de nuestra atiborrada biblioteca. Pasamos la vista por los numerosos títulos que están allí ordenados a la espera del lector que abra sus páginas y empiece a recorrer con sus ojos las frases impresas. Nos dijimos, una vez más, hojear un libro es acariciarlo, es mimarlo, es empezarlo a amar. Mirar en su interior y repasar con la vista algunos de sus capítulos, párrafos es una tarea exploratoria que, para nosotros, encuentra un acertadísimo paralelo con las caricias a la mujer amada.

En realidad, este acto de amor empieza cuando nos enamoramos, cuando el Eros traviesillo nos ha herido con sus flechas mortales. Empezar la lectura de un libro y llegar a la palabra fin, nos ubica, sin duda, en la posición de aquél que conoce los deleites del amor o del placer amoroso. Los buscará una y otra vez. Sin duda alguna. No hay posibilidad ya de saciarse. ¿Hechizo? ¿Adicción? ¿Enfermedad?

Dejar que el amor envuelva con su manto sutil el corazón del hombre, hará que sus latidos se aceleren, que sus emociones se violenten y que su mente vuele hacia otros mundos. Su reino ya no será de este mundo. La mente se poblará de imágenes prodigiosas. La imaginación y la fantasía transportarán al hombre hacia aquellos mundos donde la libertad se ejerce sin restricción alguna y donde las posibilidades de alcanzar la felicidad son infinitas.

Observamos los libros, nos detenemos en un título, repasamos la contraportada de otro, palpamos la calidad de la hoja impresa de uno de ellos, leemos una frase aquí y otra allá. La mirada se desliza a veces rápidamente a veces lentamente por algunos párrafos y se detiene con deleite en aquél conjunto de palabras que unidas unas con otras se cargan de sentido y continúan arrastrándonos en su espiral fascinante, en su espiral hechicera.

Miramos y tocamos. Leemos, olemos…. Un ritual de amor. Y así, en pleno disfrute de los sentidos, imaginamos dar vueltas y más vueltas en torno a una luz intensa e hipnótica, que parece emanar de las profundidades de aquellos tesoros íntimos que el objeto amado encierra celosamente. Y el goce del descubrimiento, el placer supremo sólo podrá consumarse al entrar en esa gruta misteriosa cargada de sorpresas, de afectos, ternuras, violencias y encanto.

Como el Sahrigar vargasllosiano fascinado ante los relatos de Sherezada, nosotros sucumbimos también, cada día, cada tarde o cada noche al encanto femenino de los libros.

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Notas:

(1) El texto publicado corresponde a la versión de la obra presentada en Sevilla (17 y 18 de julio de 2008) y Tenerife (26 y 27 de julio de 2008). Aclaración del mismo autor que aparece en el prólogo del libro (Contar Cuentos).

(2) Chiarella Kruger, Jorge – Notas acerca de la naturaleza del teatro desde la perspectiva del director teatral.

(3) El Paraíso en la Otra Esquina, Alfaguara, 2003, p.444.

(4) Ibídem, p.33

(5) Las Mil Noches y una Noche, p. 13.

(6) La Guerra del Fin del Mundo, Seix Barral, 1981, p.107.

(7) Ibídem.

(8) La Ciudad y los Perros, p.121

(9) Elogio de la Madrastra, Arango Editores, p.29

2011-01-05T14:32:00.003-05:00

SUPERMARIO GALAXY 2

Nintendo Wii

Mario Bross recibe una invitación de la princesa Peach para tomar el té y disfrutar juntos, en su castillo, de la lluvia de estrellas que caen sobre el Reino Champiñón. De camino al palacio se da cuenta que las cosas no están bien, y antes de llegar irrumpe el gigantesco villano Browser y captura a la princesa como primer paso a su conquista del universo. Mario con la ayuda de los destellos emprende su recorrido por diversas galaxias, con el objetivo de encontrar al villano, derrotarlo y rescatar a su amor platónico. ¡Qué comience la aventura!

En Super Mario Galaxy 2 la diversión está asegurada, tiene una excelente jugabilidad. Por ejemplo, se aprovechan muy bien los controles innovadores del Wii: con la correcta y simple combinación de Wiimote y el Nunchuck puedes hacer que Mario haga hasta lo impensable, como fabricar nubes que le permitan llegar hasta lo más alto para alcanzar una estrella dorada (a más estrellas recolectadas, más galaxias podrás acceder). También, en algunos pasajes se rinde homenaje al seminal Super Mario 64 (el primer juego en 3D de la historia) y de paso se convierte en una genial manera de celebrar los 25 años de creación de nuestro querido fontanero.

Súper Mario Galaxy 2, más que una simple secuela, es un videojuego con personalidad propia gracias a las geniales ideas que sus desarrolladores han sabido materializar: como montar sobre Yoshi y darle de comer algo picante para que corra a gran velocidad, o hacer que Mario vuele colgado de un ave, con nuevos mundos con galaxias increíbles, pletóricos de paisajes hermosos, situaciones absurdas, personajes sicotrópicos, que nos proponen aventuras tan originales, creativas y disparatadas que no solo divierten, también emocionan y nos hacen sentir niños otra vez. Súper Mario Galaxy 2 es magia pura.

HENRY FLORES

2011-01-05T14:23:00.001-05:00

NO MORE HEROES 2: Desperate Struggle

Nintendo Wii

Gráficos cell shading, cultura pop, humor negro, chicas voluptuosas, combates frenéticos con harta sangre, villanos delirantes y un (anti) héroe (Travis Touchdown) devoto del punk, la lucha libre y demás pastas. Solo un videojuego puede tener esta mezcla explosiva: NMH 2. Y solo un diseñador es tan osado como para armar esta bomba: Goichi Suda (Suda 51). Está en ti detonarla.

NMH 2 supera ampliamente a su hermana mayor: mejor historia, nuevas formas de lucha a pesar de algunas combates repetitivos, no tienes que conseguir dinero para acceder a los villanos, te desplazas con rapidez de un lugar a otro gracias a un mapa-menú y los tediosos trabajos temporales de la primera entrega ahora son opcionales (incluso emulan a los añejos videojuegos de 8 bits). Además, los nuevos bosses tienen más movimientos impredecibles y te exigen mover y agitar los mandos como un poseso para infligirles el mayor daño posible. En NMH 2 el baño vuelve a ser una pieza clave, ¿cómo así?, pues, sentándote en el retrete es como grabarás los avances de tu juego. Hay tres niveles de dificultad: suave, dulce y picante. Toda una joyita imperdible, de culto y solo para adultos.

HENRY FLORES

2010-12-21T20:28:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 39

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro jugoso menú:

1)Una crónica del concierto de los STONE TEMPLE PILOTS en Lima.

2)Revisamos los videojuegos CALL OF DUTY:BLACK OPS, METROID:OTHER M y BATMAN: THE BRAVE AND THE BOLD.

3)Un jugoso artículo sobre la película peruana del momento: OCTUBRE.

4)En novedades discográficas revisamos lo último de los veteranos: BRIAN WILSON y NEIL YOUNG.

5)En la sección libros: “El arte de la resurrección” y “Playas”

Lo pueden descargar en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=1ILUN3JQ

Qué lo disfruten.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-11-28T22:12:00.001-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 38

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro menú:

1)El último compilado del genial SYD BARRETT.

2)Revisamos el videojuego MEDAL OF HONOR.

3)Un jugoso artículo sobre LA CEREMONIA del director francés Claude Chabrol.

4)En la sección libros comentamos EL SUEÑO DEL CELTA, la última novela del NOBEL 2010 Mario Vargas Llosa.

También lo pueden descargar en este enlace:

http://www.megaupload.com/?d=SSYNS9RD

Qué lo disfruten.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-10-29T10:23:00.002-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 37: nueva edición

Otra vez estamos de vuelta. Este es nuestro menú:
1)Una pequeña crónica del concierto que Green Day ofreció en Lima.
2)La última película de Brian de Palma
3)Videojuegos como Fifa 11, No More Heroes 2 y el genial Súper Mario Galaxy 2.
4)El regreso de Soundgraden
5)Libros.

Pueden descargar la revista en este enlace:
http://www.megaupload.com/?d=H8GYJPHO

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-10-28T07:29:00.001-05:00

Y LIMA TUVO SU DÍA VERDE
GREEN DAY EN LIMA – ESTADIO SAN MARCOS, 26.10.2010

Un gran bacanal y mucha generosidad. Son las primeras palabras que se me ocurren para describir el concierto que nos ofreció Green Day. Y es que, lo que pasó entre el trío californiano y sus 40 mil fans fue una orgía de punk rock que será recordada por mucho tiempo. Más de treinta canciones en casi tres horas, cinco fans invitados al escenario por Billie Joe, bastantes regalos lanzados al público y una banda incombustible y dadivosa que se dio al máximo, con un gran frontman que supo arengar, cortejar y manejar a su antojo a los miles que padecemos de fiebre punk.

Antes que empiece todo, como a las 7:30 pm, Billie Joe nos tomó por sorpresa al caminar por el escenario como un técnico más. La masa que recién se estaba aglomerando tuvo su primer grito de euforia, nuestro entusiasmo y ansias se triplicaron. Hora y media después reventó el chupo con "Song of the Century" y “21st Century Breakdown". A partir de ahí Green Day fue como un bombardero (como el perrito del Dookie) y sus canciones se convertían en ataques certeros contra la rutina y la calma, y hacían que miles de cuerpos saltaran, pogeran y gritaran como posesos al compás de sus hits del nuevo milenio como "Holiday", "American Idiot", “Jesus of Suburbia” o "Give me Novacaine", y de noventeras como “Burnout", "She”, “Basket Case” o “Hitchin’ a ride".

Uno de los tantos ‘highlights’ de la noche, se dio cuando Billie propuso una canción no tocada hasta ese momento en la gira sudamericana, apenas sonaron los acordes de “Welcome To Paradise” San Marcos se volvió un manicomio. Por mi zona armé un pequeño pogo que a los tres segundos creció monstruosamente y casi me pasa factura cuando un tipo presa del deliro me hizo volar con un empujón de 100 newtons. Diversión y dolor. Un concierto donde compruebas en carne propia aquella frase popular: “Se sufre, pero también se goza”. Luego, el cantante, muy generoso, le regaló una guitarra a un fan que le ayudó a cantar “Longview”, sin duda el más envidiado de la noche. Yo envidié más a otro muchacho que tocó “Going to Pasalacqua” con la mismísima guitarra con la que se grabó el Dookie, envidia sana porque su emoción la hice mía.

La banda supo mantenernos en constante ebullición. Creo que Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool se alimentan con maca y kiwicha, ¡porque no mostraban señales de agotamiento!, en cambio nosotros con la lengua afuera, y bendecíamos a Billie cada vez que nos refrescaba con una gran pistola de agua. Un huracán californiano del que nadie se libró. Y para terminar, la calma acústica con "Christie Road", "Wake Me Up When September Ends" y "Good Riddance (Time Of Your Life)". Fin de la noche verde. Quedé con el cuerpo magullado y la garganta inflamada, pero empachado de aquella felicidad y libertad adolescente que alguna vez tuve, cuando no tenía que trabajar para vivir, solo estudiar y escuchar harta pero harta música, y entre aquellas canciones que sonaban en mi walkman estaban las de este trío. Gracias Green Day por los viejos y nuevos buenos tiempos.

HENRY FLORES

2010-10-17T19:59:00.003-05:00

STONE TEMPLE PILOTS
“STONE TEMPLE PILOTS” (2010)

Cuando los Stone Temple Pilots debutaron con Core (1992), la prensa musical los acusó de ser copias de Pearl Jam y Alice In Chains, pero gran parte del público los consideró como una de las mejores propuestas de toda aquella explosión musical noventera que se conoció como grunge. Con los años los STP demostraron que su música no obedecía a ninguna moda o circunstancia y que su amor por el rock clásico era el derrotero de su música. Ahora, después de nueve años del Shangri-La Dee Da (2001), los tenemos de vuelta con nuevo material discográfico, el sexto en su carrera, su álbum epónimo.

Stone Temple Pilots no es solo el típico álbum del retorno. Se llama así porque este cuarteto quiere convencerse (y convencernos) de que aún sigue siendo una banda de rock a pesar de su actual modus operandi: cuatro tipos que dejaron atrás sus riñas y que saben que la convivencia no es como antaño, ahora graban en estudios separados y cuando se juntan para los conciertos se muestran los avances de las nuevas canciones en los camerinos, en formato acústico. Este “juntos pero no revueltos” es mejor que andar en problemas. Sobre todo por Scott Weiland (cantante y letrista), cuya fuerte personalidad marcada por el abuso de la heroína (ahora ya rehabilitado) fue el principal obstáculo a que la banda alcanzará la estratósfera en sus mejores momentos. ¿Y funciona o no? ¿Convencen las nuevas canciones o se escuchan forzadas y sin la magia de antes?

Para empezar, la producción estuvo a cargo de los hermanos Robert y Dean Deleo (bajista y guitarrista). Por primera vez prescinden de los servicios del productor Brendan O’Brien. El resultado: muchas canciones hard rock deudoras del rock setentero ("Bagman”, “Hazy Daze”), la sicodelia (“Hickory Dichotomy"), también algo de los 60’s (la pegadiza “Cinnamon” o "Maver", que sabe a The Beatles con guitarra harrisoniana incluida), y otras de melodías más reposadas y con aires country (“First Kiss on Mars”), algunas mejor arregladas que otras.

Al no haber un productor que los “obligue” a estar juntos en el proceso creativo, las canciones se han construido de acuerdo a la buena voluntad y disposición de cada miembro, quizá la única manera de hacer que fluyan y suenen natural, pero que no ha impedido que algunas de ellas se parezcan a los proyectos alternativos que han tenido antes del reencuentro; por ejemplo “Take a Load Off” y “Huckleburry Crumble” recuerdan a Velvet Revolver (banda que tuvo Weiland con algunos ex Guns N’ Roses) y muchos riffs dispersos en el disco nos llevan a Army Of One y Talk Show (combos que formaron los Deleo con el baterista Kretz). Estos proyectos en su momento gozaron de saludable actividad artística y comercial pero nunca convencieron del todo. Quizá Stone Temple Pilots también sirva para el drenaje de antiguos efluentes creativos y se convierta en el álbum bisagra de una banda que ha renacido para reivindicarse de un pasado víctima del “fuego amigo”. Y si también ayuda a pagar las cuentas en casa, mucho mejor.

HENRY FLORES

2010-10-08T10:09:00.000-05:00

MARIO VARGAS LLOSA: Premio Nobel de Literatura 2010

¡Muchas gracias maestro! El PERÚ y el mundo están de fiesta.

2010-10-01T20:01:00.001-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 36

Disfruten nuestra nueva edición:

Karen Elson, rock peruano clásico, el videojuego de Spider- man y mucho más.

Lo pueden descargar en este enlace (menos de 1 MB)

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-09-05T16:08:00.001-05:00

RED STEEL 2

Wii (2010)

Alucina que eres un hábil pistolero y espadachín, expulsado del clan Kusagari; luego de algunos años en el exilio retornas a tu pueblo y te das con la ingrata sorpresa que ha sido tomado por ladrones y asesinos, y lo que es peor: descubres que eres el único kusagari aún con vida. Sin duda una trama que promete.

Red Steel 2 es un videojuego de disparos en primera persona (FPS), con espadas y pistolas, que pretende quitarnos el sabor agridulce de la primera entrega y lo logra con creces. Para ello se creó una nueva historia ambientada en el oeste gringo mezclada con temática samurai, con gráficos cel-shading y el gameplay fue mejorado dramáticamente gracias al uso del Wii Motion Plus, dispositivo que conectado al mando le da una gran precisión al control que ejercemos sobre el personaje, es decir, en este juego vamos a usar la katana a nuestro antojo, cortando en casi todas las direcciones y con la fuerza que en verdad queremos imprimir a nuestros golpes; además, podemos emplear muchas técnicas especiales que nos permitirán, por ejemplo, devolver las balas con la katana o rematar a nuestros enemigos con una rápida combinación de esta con el revólver.

Aquí no hay una historia a desarrollar, la trama inicial se desperdicia, quizá no sea necesaria porque la diversión y la fuerza de este título gravitan en su intrépido, variado y demandante modo de juego. En Red Steel 2 cumpliremos misiones y acabaremos con los bosses respectivos hasta llegar al combate final con el villano Shinjiro, quien quiere a toda costa la espada de nuestro héroe. Red Steel 2 es uno de los mejores FPS de Wii y sabe sacarle el jugo a las capacidades gráficas de la blanquita de Nintendo. Ojalá haya una tercera parte.

HENRY FLORES

Aquí los dejo con un palpitante trailer del juego:

Si vives en Perú y quieres comprar este juego lo puedes pedir a noel_miro@hotmail.com

2010-08-25T09:29:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 35

Esta nueva edición viene cargada de música y videojuegos. Revisamos el debut solista del gran guitarrista SLASH y lo último de los talentosos BAND OF HORSES. En cuanto a los videojuegos le echamos una mirada a RED DEAD REDEMPTION, GREEN DAY ROCK BAND y RED STEEL 2. Y en cine, analizamos la película CHUNGI, HORROR SIN LÁGRIMAS.

Descárgalo (menos de 1MB) AQUÍ.

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-08-17T11:15:00.000-05:00

KAREN ELSON - "Pretty Babies"

2010-07-29T21:35:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 34

En esta edición cuasi patriota de julio revisamos el imperdible compilado de rock subterráneo, tambièn a Tom Petty y Echo & The Bunnymen. En cuanto a los videojuegos le echamos una mirada a Alan Wake. Y en cine, analizamos la película Cidade Baixa. Disfrútenlo.

Descarga la revista en este ENLACE

Nota: si deseas que reseñemos algún disco o libro tuyo, o pasarnos la voz sobre algún festival o colaborar con algún escrito, no dudes en escribirnos a otraspastas@gmail.com

2010-06-24T17:15:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS 33

En esta edición de junio hacemos una revisión del disco de retorno de STONE TEMPLE PILOTS y lo nuevo de JEFF BECK y ANDRÉS CALAMARO. En cuanto a los videojuegos tenemos un análisis completo del juegazo GOD OF WAR 3. Y una nota especial sobre EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA, un clásico del cine mundial.

Descárgalo en este LINK

2010-06-17T22:38:00.000-05:00

LIBROS

MEMORIAS DE UNA DAMA

AUTOR: SANTIAGO RONCAGLIOLO (PERÚ)

Diana Minetti, millonaria de origen dominicano y afianzada en Paris, sabe que va a morir a sus setenta años debido al cáncer que la consume. Antes de partir quiere escribir sus memorias, para ello contrata a un escrito peruano (que se hace pasar por español) que no ha publicado nada y que hace cachuelos para sobrevivir como un inmigrante más en Madrid. La dama quería un libro que hable de su vida como millonaria, llena de glamur, con bailes, viajes, personajes ilustres, pero en sus investigaciones el escritor averigua cómo los Minetti consiguieron su fortuna: mafias y espionajes en la época de la dictadura de Trujillo en República Dominicana y la de Batista en Cuba. Una historia nada glamorosa en comparación a lo que quería Diana.

Esta novela está escrita con humor negro, suspenso, con prosa ágil y sencilla que favorece enormemente la historia entreverada que se cuenta y también la del propio personaje-escritor en sus días como escribidor de memorias.

Henry Flores

MISSING

AUTOR: ALBERTO FUGUET (Chile)

Mezcla de novela y crónica, ficción y no ficción. El escritor Fuguet va en busca de su tío Carlos, quien abandonó a su familia y estuvo “desparecido” más de quince años por voluntad propia. Un libro que cuenta secretos familiares, toca heridas abiertas, pero necesario y urgente para suturarlas, ahora todos somos libres y los lectores agradecemos el viaje por la vida de Carlos, una vida que al fin y al cabo valió la pena. Ahora es un personaje literario que sobrevive al tiempo y el espacio.

Henry Flores

2010-06-09T22:05:00.000-05:00

FITO PÁEZ - CONFIÁ (2010)

Confiá es un álbum que sale con el pie en alto. Las cinco primeras canciones te gustan sí o sí porque saben a manjares ya degustados: “Confiá” y “M&M” tienen arreglos prestados del Abre (1999), “La Nave Especial” es un homenaje al “Delirium Tremens” del Enemigos Íntimos (1998), “Londown Town” en sus coros tiene el efecto circense del “Being for the Benefit of Mr. Kite” de The Beatles, y “Tiempo al Tiempo” es la clásica melodía con sabor a Charly García, pegadiza y de fácil digestión, que encontramos en cualquier álbum del cantante rosarino.

Esta retroalimentación de Páez no es casual, es su manera de “rescatar” los valores (culturales, artísticos, etc.) que siente que se están perdiendo. Incluso hay canciones que se responden entre sí, por ejemplo: “Confía” (‘sabés que ya no hay vuelta atrás, tuvimos la oportunidad. Y si algo aprendimos en el mundo es que el mejor momento aún no vino, está por llegar’) es la respuesta optimista a “London Town” (‘no creo en volver a empezar. Lo que un día vi, no lo veo más…tanta estupidez, tanta vanidad, y lo que fue hermoso nunca más ya lo será’).

Como se aprecia en las letras, sus frases directas, bien dosificadas, aumentan el score del álbum. Páez no pretende impresionarte como Sabina o Silvio, ni tampoco cae en la cursi e insoportable verborragia de Arjona (ejemplo de muerte cultural a través de varios Lunas Park). Hace poco Fito Páez declaró en una entrevista: "Soy un tipo que ama este lugar, que defiende sus cosas más auténticas y brutales, pero nunca la aniquilación cultural y el vaciamiento de ideas". ¿Y qué hace él por tratar de cambiar esta situación que percibe en la Argentina y que le incomoda mucho? Pues, edita un buen disco. Suficiente. La vocación es la vocación.

HENRY FLORES

2010-05-27T17:26:00.002-05:00

¡Señores!, ayer 24 llegó uno de los momentos más esperados de este blog: el nuevo disco de los Stone Temple Pilots salió a la venta.
Y para celebrarlo quiero compartir con ustedes 2 cosas:

1)Como primicia en este link pueden descargar la entrevista que ha dado la banda a la revista SPIN en su edición de Junio (la ventaja de ser suscriptor es que recibo la revista 10 días antes de su venta).

2)El video del single "Between The Lines". Miren a la chica protagonista, ¡sale bien hot!

Ya hice mi pedido por Amazon y estoy a la espera de que el disco llegue a mis manos.

2010-05-23T16:46:00.001-05:00

ATERRIZARON, COMIERON, CANTARON Y VENCIERON

AEROSMITH EN VIVO- EXPLANADA ESTADIO MONUMENTAL, LIMA –PERÚ (22-05-2010)

Cuando Aerosmith aterrizó en Lima pudimos ver en los noticieros como los fans hasta se arrojaban a las camionetas que los llevaban al hotel. Y cuando llegaron al Marriott, grata fue su sorpresa de ver a tantos admiradores vitoreándolos que los artistas inmediatamente sacaron sus cámaras para captar los rostros eufóricos de más de cien peruanos pegados como chicles a las vallas de contención. En la noche fueron llevados a un conocido restaurante para que degusten la gastronomía más famosa y rica del mundo: la peruana. Barriga llena, corazón contento y a descansar bien porque al día siguiente pagarían con creces el cariño del Perú.

Noche de sábado, hace frío como me gusta, soy un punto blanquiazul entre más de 35 mil, sí que hay dinero en esta ciudad. Son más de las 9 p.m., la gente se impacienta,no hay señales de que empiece el show. De pronto se escucha el “Rainy Day Women #12 & 35” del gran Bob Dylan, ¡esa es la señal! (pensé yo), aparece un gran telón negro con el logo de Aerosmith que se disuelve con los primeros riffs del clásico “Eat The Rich”. Tenía razón y el concierto ya era una realidad. Estos cinco sesentones de Boston, comandados por el inacabable Steven Tyler (mi suegro) se despacharon a su gusto con una seguidilla de pedidazas como “Love in an Elevator”, “Falling in Love”, “Livin' on the Edge” o “Cryin'” (la más cantada de la noche), Estaba tan metido dentro de la aeronave musical que no recuerdo el momento exacto en que Tyler gritó “Buenas noches, mi gente del Perú”, pero sí la euforia compartida por miles que no dejábamos de sorprendernos con su gran performance vocal.

Steven Tyler, imagino que gente como Axl Rose o Bob Dylan deben haber buscado hasta en internet tu secreto sobre cómo conservar casi intacta la voz a pesar de los años (¡sesenta y dos en tu caso!) y los excesos tóxicos. Joe Perry, esa simbiosis de tu guitarra con el Theremín en “Sweet Emotion” hizo que mis manos sufrieran de un placentero párkinson, y con cada soberbio solo que espetaste con tu Les Paul en esos sabrosos blues antes del encore (“Stop Messin' Around” y “Baby, Please Don't Go”) reafirmaste por enésima vez tu estatus de guitar hero. Pero el éxito de estos gemelos tóxicos, aparte de su talento, radica en el indestructible armazón musical creado por sus compañeros Joe Kramer (cíclope rompeparches), Brad Whitford (sus cuerdas rítmicas cobijan a los solos de Perry) y Tom Hamilton (bajista multiuso).

La setentera “Draw the Line” cerró una primera parte tan deliciosa y refrescante como la rica chicha morada que Tyler bebió y compartió con el público (¡suave, que el tío ha tenido hepatitis!). Al regreso sonaron los tambores de “Walk This Way” pero el cantante los detuvo y pidió cantar “Crazy”, las chicas se desgarraban a gritos y los nostálgicos muchachos mientras cantábamos recordábamos los suspiros y sueños onanistas que ocasionaron en los noventa las protagonistas del video de la canción. Ahora sí le toca a “Walk This Way” y para cerrar con broche de oro la súper clásica (para conocedores) “Train Kept A-Rollin'”. Gritos, palmas, regocijos y la inevitable despedida de estos grandes músicos que fueron bien tratados desde que llegaron y que han sabido ser muy agradecidos. Me doy por servido y bien pagado. Un momento, pero faltaron “Amazing”, “Blindman”, “Angel”, “Mama Kin” o Jani’s Got a Gun”. Pues, será motivo para una segunda visita. Ahorita lo que más me preocupa es encontrar taxi.

HENRY FLORES

2010-04-24T00:46:00.000-05:00

UN DÍA ESPECIAL
Hoy es un día especial para mí. Saludos a los que coinciden. Uno de los mejores regalos sería escuchar esta canción en vivo y en directo, por mientras disfrutémosla gracias a la magia del Youtube.

Paz y amor.

2010-04-09T17:42:00.001-05:00

RINGO STARR - "Y NOT"(2010)

Ringo Starr es una de las pocas leyendas del rock que nunca fue pretenciosa, lo más cercano que estuvo fueron sus experimentos en estudio con The Beatles, pero, en solitario, siempre se tomó las cosas con calma, no queriendo impresionar a nadie, simplemente pasarla bien tocando con sus amigos como la All Starr Band por ejemplo. Por eso, en estos primeros meses del año, plagado de incontables banditas indie que experimentan en lo-fi y demás chucherías, un álbum como “Y Not” tiene el efecto refrescante de un chapuzón en pleno mediodía veraniego.

Para este su disco número 16, Ringo por primera vez asume la producción total de un álbum suyo y ha contado con la ayuda de algunos invitados célebres como Paul McCartney, Joe Walsh o Ben Harper. El resultado es predecible pero muy alentador. “Y Not” es pop rock amigable, con guitarras que celebran con riffs festivos (“Fill in the Blanks” es un buen comienzo). También tiene nostalgia en formato balada con arreglo de cuerdas (“Walk With You” y la tremenda colaboración de Paul McCartney en los coros) y en un rock algo oscuro (“The Other Side of Liverpool”). Y un fin de fiesta que sabe a desenfreno, con la diva del neo soul Joss Stone saliendo de un pastel en medio del banquete para deleitarnos con “Who’s Your Daddy” y un embobado Ringo, cual viejo verde setentón, dándose maña para hacerle entender a la apetecible chiquilla que él es “su papi”. “Y Not” es divertido, humilde, pegadizo, predecible, idealista, fresco, desenfadado… como el mismísimo Richard Starky.

HENRY FLORES

2010-03-17T11:56:00.000-05:00

EL REY SIEMPRE ESTÁ POR ENCIMA DEL PUEBLO

Autor: Daniel Alarcón (Perú-USA)

Con este libro se confirma que Alarcón tiene más oficio como cuentista que como novelista. Varios relatos narrados cinematográficamente, la descripción detallada de algunas situaciones o ambientes en vez de ahuyentar la imaginación, la potencian. Aquí hay buenas tramas como la que da el título al libro, o la de un Lincoln homosexual o la pareja de ciegos que muere trágicamente, con personajes muy ricos, más que suficiente para deleitarnos con un joven escritor que tiene mucho por delante.

PAUL EDUARDO R.

EL COJO Y EL LOCO

Autor: Jaime Bayly (Perú)

Novela cruda. Las historias paralelas de dos hombres, un cojo y un loco, con un nacimiento común (cuna rica y la decepción de los padres porque sus niños no son “normales”) y un final común (la muerte de ambos, en forma violenta y absurda). En la primera parte disfrutamos con los perfiles de estos personajes pero con el transcurrir las historias se van diluyendo o se ahogan en el exceso del formulismo y las pocas ideas sobre el destino de ambos. Estamos ante un libro que se lee de un tirón, hecho para pasar un buen rato, lástima que el buen rato alcanza las dos terceras partes, el resto es para el olvido y la decepción.

HENRY FLORES

CAÍN

Autor: José Saramago (Portugal)

La historia de Caín (hijo de Adam y Eva) que todos hemos leído en la Biblia es contada a la manera “sacrílega” e irónica de un autor cuya intención es hacernos ver lo absurdo que resulta la historia original. A Saramago no le quedó otra que hacer viajar por el tiempo a Caín a fin de tener material para darle más aventuras, ¿tan aburridos e intrascendentes son el espacio y tiempo propios de este personaje o la imaginación de Saramago ya conoce límites?

PAUL EDUARDO R.

EL INÚTIL DE LA FAMILIA

Autor: Jorge Edwards (Chile)

Crónica, novela o una mezcla de ambas que ahonda en la vida del escritor Joaquín Edwards (tío del autor) con resultados poco favorables. Los peores pasajes, los que más abundan, son aquellos donde el autor especula sobre los pensamientos y vivencias de Joaquín basándose en las historias de las novelas que este último escribió, para la mayoría de los lectores que no hemos leído dichas novelas, ni mucho menos conocemos a profundidad al personaje histórico, todo este ejercicio resulta irrelevante y aburrido, ni siquiera como algo que nos ilustre. Lo mejor, cuando se pasa a la crónica, aquí Jorge Edwards se luce con buena pluma contando sus impresiones y anécdotas en todo lo que lo relaciona con su célebre pariente. Sin duda una obra menor en la sólida trayectoria de Edwards. (HENRY FLORES)

2010-02-26T11:34:00.000-05:00

Ya salió la nueva edición de Discos y Otras Pastas.
En este número leerás sobre:
1)Una revisión del nuevo álbum de RINGO STARR
2)Especial de INVICTUS (film de Clint Eastwood)
3)Reseña de libros leídos
4)Revisando el "London Calling" de THe Clash.
Descárgalo en este ENLACE

2010-02-18T11:50:00.001-05:00

PEARL JAM EN LA REVISTA SPIN

Muchos fans se quedaron con las ganas de leer y tener en sus manos la edición de SPIN de octubre de 2009, en ella se publicó un especial de Pearl Jam con motivo del lanzamiento del Backspacer.

Pues ahora ya no tendrán que prenderles velitas a San Martín, aquí les paso un enlance donde pueden descargarse la revista completita:

http://uploading.com/files/5137453m/spin200910.pdf/

¡¡provecho!!

2010-02-09T22:01:00.001-05:00

UN VIENTO FRESCO LLAMADO THE CRANBERRIES

(8 de febrero de 2010-Explanada del Estadio Monumental, Lima-Perú)

Dolores, no sé cómo haces para conservar en perfecto estado tu sinuosa e hipnótica voz. La noche del lunes, tus susurrantes cuerdas vocales se sintieron como el bendito viento fresco que uno espera en el verano (“Linger” fue eso y mucho más). A pesar que el sonidista se quedó dormido o no trajeron equipos que estuvieran al nivel de tu banda te diste mañana para expresarte con todo. Tu alegría y vitalidad fueron desbordantes en el escenario, ¿dije escenario?, ¡por Dios!, parecía una tarima lo que los organizadores instalaron, pero no importó mucho, igual nos deleitamos con tus saltos, movimientos de caderas, tus palabras educadas, fuerza interpretativa, tu liderazgo; y tus esporádicos solos con tu guitarra SG simplemente me conmovieron tanto como si fueras una pequeña Santana. Noel, tu hombre de las seis cuerdas, arremetió con todo en canciones como “Salvation” o “Zombie”, aunque otra vez el maldito sonido de los parlantes no le hizo justicia a esos acordes abrasivos que se morían por calcinar a todos los presentes.

The Cranberries, con temas tan hermosos como “Ode to My Family” o las apasionadas “Ridiculous Thoughts” y “Zombie”, fuiste como un autobús del tiempo que me regresó a mi niñez noventera. Y con “Dreams”, “Linger” o “When You’re Gone” convencieron a más de diez mil personas que no son solo una banda para revivir vivencias o evocar recuerdos, vuestras canciones han madurado muy bien con el tiempo, suenan actuales y aseguran su vigencia por muchos años. Gracias por esta inolvidable noche de verano.

HENRY FLORES

2010-02-06T11:54:00.000-05:00

ESPERANDO A AXL ROSE

2010-01-25T19:40:00.000-05:00

DISCOS Y OTRAS PASTAS # 28

Ya salió la nueva edición de Discos y Otras Pastas, minirevista en "pdf" que trata de música, cine y literatura.

En este número leerás sobre:

1)Crónica del concierto de Metallica en Lima

2)Los álbumes del 2009 que más nos gustaron

3)Homenaje a Heath Ledger a 2 años de su muerte

4)Revisando el "After the Gold Rush" de Neil Young.

Descárgalo en este ENLACE

2010-01-20T18:21:00.007-05:00

19 de enero de 2010-Estadio San Marcos
METALLICA DESTRUYÓ LIMA

No soy devoto del trash metal, ni tampoco un metalero común y silvestre, pero, puedo decir, totalmente convencido, que el concierto de Metallica ha sido uno de los mejores que he disfrutado, y que el año nuevo recién comenzó para mí el 19 de enero. Metallica literalmente ¡me sacudió las vísceras! Estos cuatro jinetes me llevaron a su antojo por su sincronizada y salvaje montaña rusa hecha de acordes furiosos, abrasivos y eternos.

Las nueve y media de una noche súper especial y el arranque atronador con “Creeping Death” nos encontró saltando y gritando, la euforia desde el primer riff, la locura siguió con “From Whom The Bell Tolls”, el desenfreno total con “Fuel” y “Harvester of Sorrow” y aquella muchacha quitándose una parte de la blusa para mostrarme su seno derecho mientras pogueábamos. Inmejorable comienzo. El pequeño “descanso” con “Fade To Black” dio paso a la presentación del benjamín discográfico Death Magnetic, con contundentes directos como “That Was Just Your Life” , “The End of The Line” o “Cyanide”, filtrándose entre ellos la conocida “Sad But True”. James, Lars, Kirk y Robert lucían como unos Trolles capaces de arrasar con un estadio vivo de 50 mil almas.

En los conciertos, los momentos más memorables se dan cuando se tocan los clásicos. Casi todas las bandas saben darle el gusto a sus fans intercalando o espaciando sus hits con canciones menos conocidas a fin de aumentar la expectativa y generar explosiones de júbilo en su debido momento. Sin embargo, lo que hizo METALLICA, ¡lo que nos hizo!, no solo fue una muestra de gran generosidad, fue un aluvión, un tsunami, un cataclismo: alrededor de las diez y veinte el estadio de San Marcos fue el epicentro de cinco terremotos seguidos. El saldo: harta masa encefálica desparramada por la ametralla de guitarras y batería de “One”, miles de cuerpos magullados, adoloridos y felices de tanto pogo brutal con “Master of Puppets”, “Battery” y “Enter Sandman”, y muchos corazones mortalmente heridos por los conmovedores arpegios de “Nothing Else Matters”.

Los cuatro guerreros se retiran orgullosos de la destrucción masiva que han perpetrado y cual súper héroes regresan para rescatarnos con “Am I Evil?”. James pregunta “¿quieren más?”, somos adictos, ¡queremos más!, “una más, se lo merecen. Después de 29 años estamos en Lima. Este es el concierto más largo”, vino “Blackened” y para rematarnos nos inyectaron “Seek And Destroy”, directo a la sien. Luego, se desprenden de sus instrumentos, nos observan felices, nos dicen que “somos de puta madre” (¡gracias Trujillo!), nos regalan púas y baquetas, les decimos que los amamos y las pocas fuerzas que nos quedan son para aplaudirlos y vitorearlos. Se despiden y nosotros emprendemos el retorno a casa, a curarnos las heridas físicas, más no las de la mente y el corazón. Metallica nos ha marcado.
HENRY FLORES

2010-01-15T18:09:00.004-05:00

AYUDEMOS A HAITÍ

El director nacional de Gestión de Riesgos de Desastres de la Cruz Roja Peruana, Pabel Ángeles Chaparro, anunció que su institución ha abierto cuentas en Scotiabank y en el Banco Continental, en soles y en dólares, en la que podremos realizar un aporte económico, que será utilizado para enviar ayuda a los damnificados por el terremoto que asoló Haití el pasado martes.

Los números de cuenta son los siguientes:
*En Scotiabank:

Cuenta en soles: 009 010 201110461702 07

Cuenta en dólares: 009 010 211110461711 06

*En BBVA Banco Continental:

Cuenta en soles: 0011-0661-01-00032095

Cuenta en dólares: 0011-0661-01-00040241

Ayudemos a nuestros hermanos hatianos.

2010-01-14T16:24:00.000-05:00

ESPERANDO A LOS BÁRBAROS

Autor: J.M. Coetzee (Sudáfrica)

Novela corta del Nobel sudafricano. Nos habla del maltrato que sufren los nativos africanos a manos de sus colonizadores, aunque luego los bárbaros aprenden a defenderse. Solo el magistrado de la ciudad fronteriza parecer ser el único hombre justo, que lucha por la convivencia pacífica de ambos pueblos, a pesar del hostigamiento por parte del ejército persevera en sus ideales y nobles causas. Coetzee es un maestro de la introspección y la reflexión humana. Sus personajes no escapan a los auto cuestionamientos, muchas veces severos.

HENRY FLORES

NOCHE SIN FORTUNA

Autor: Andrés Caicedo (Colombia)

El fascinante universo caicediano tiene como protagonista esta vez a los hombres: los adolescentes Solano Patiño y Danielito Bang. Vampirismo y canibalismo encarnado en la mujer: Antígona. Una noche de fiesta, loca, extraña y que termina siendo una noche sin fortuna porque Solano se frustra más que nadie, nada ha salido como él ha querido, ni siquiera ser devorado por la mujer más bella y extraña.

HENRY FLORES

2009-12-21T19:37:00.004-05:00

Pearl Jam – Backspacer (2009)

A no confundirse, a pesar del título los Pearl Jam no retroceden, sólo están tomando impulso. Backspacer es su disco más directo. Aún más directo que Ten (1991), sin que eso signifique mejor ni más auténtico. Pero, además, es su primer lanzamiento independiente y supone la vuelta de Brendran O´Brien como productor, función que no ocupaba desde Yield (1998).

La tendencia iniciada con el epónimo Pearl Jam (2006) en el que retomaron su vena más roquera, se reafirma y toma consistencia en este verdadero Tour de force exudante de energía y espontaneidad. Si el legado de The Who siempre fue una referencia, aquí es más evidente que nunca pero ya no desde la obviedad del riff crispante sino a partir de su resignificación saludable como influencia genuina. Hay un prólogo sin respiros con guitarras que sacan chispas y vértigo vocal hasta que justamente llega “Just Breathe” una probable secuela de Into the Wild, la excursión solista de Vedder para el film de Sean Penn, puro rescate emotivo en forma de canción de fogón. “Amongst The Waves” sirve de puente para una segunda mitad algo menos efusiva aunque tan fértil y elocuente como la primera, donde destaca “Unthought Known” como clásico inmediato, pero cada canción es un punto alto.

Los Pearl Jam han venido dando pelea desde siempre. Lucharon por obtener reconocimiento, lidiaron ante las contradicciones propias de la popularidad, se embarcaron en una cruzada contra Ticketmaster (la madre de todas las batallas), etc. De algunas riñas salieron fortalecidos, de otras no tanto, pero de lo que no cabe duda es de su perseverante actitud para defender una concepción artística que excede las modas y no se detiene frente la adversidad. Y así como engaña el nombre del disco, el desenlace anunciado por “The End”, estratégicamente ubicada como última canción, tampoco es de fiar: “…el final está cerca, estoy aquí… pero no por mucho tiempo…”
JORGE CAÑADA

2009-12-21T19:32:00.004-05:00

GREEN DAY – 21ST CENTURY BREAKDOWN (2009)
Si el exitoso Dookie (1994) tuvo su continuación con el Insomniac (1995), pues, no sorprende que los Green Day repitan la fórmula del multiplatino American Idiot (2004) para su esperadísimo octavo álbum. Así que estamos ante otra ópera rock rebosante de punk, power pop y algunas baladitas con piano y guitarras acústicas.

Esta vez, el concepto gravita sobre dos jóvenes enamorados –Christian y Gloria- y la forma en cómo viven su relación (“Last Night on Earth”) en esta primera década del nuevo milenio, no siendo ajenos a externas fuerzas perturbadoras como la religión (“East Jesus Nowhere”), el gobierno (“21 Guns”) o el caos de la ciudad (“Murder city”). Él es descreído y renegado (“21st Century Breakdonwn”: mi nombre es “nadie”, el gran hijo perdido, nacido el 4 de julio en la era de los héroes y los contras, que me dejaron para morir o vivir). Ella tiene fe y es perseverante (“Last of the American Girls”). Al final se darán cuenta que solo necesitan de una “luz” para no perder el rumbo, y un motivo para seguir luchando, llámese viviendo. Este incombustible trío californiano ha sabido encontrar melodías válidas para este buen álbum. Abundan momentos de gran placer melódico como en las épicas “21 Guns” y “21st century...” o las calmadas “Last Night on Earth” o “Viva la Gloria”, que llaman la atención desde la primera escucha. Aquí, lo que les juega en contra son los laberintos en los que cae esta historia - en algunas canciones no está bien definido el protagonismo de los personajes-, abundan las buenas ideas pero no las conexiones, hay mucho hilo y por momentos el costurero pierde la aguja. Está bien que los Green Day ya sean una banda respetada, pero, cuidado con tomárselo demasiado en serio.
HENRY FLORES

2009-12-05T22:03:00.000-05:00

"Dance me to the end of love"-Leonard Cohen live in London (2008)

2009-12-05T21:52:00.002-05:00

"Suzanne"-Leonard Cohen live at Isle of Wight (1970)
Disfrútenlo

2009-11-02T12:50:00.002-05:00

LA HORA AZUL (2006)

AUTOR: ALONSO CUETO (PERÚ)

Interesantísima novela. El Dr. Ormache, luego de la muerte de su madre, descubre que su padre, un oficial de la Marina, fue un hombre cruel y sanguinario luchando contra el terrorismo en Huanta (Ayacucho), además, secuestró, ultrajó y amó a una muchacha (Miriam) quien logró escapar milagrosamente de sus garras y la de sus soldados. La búsqueda por encontrar a Miriam y saber más del pasado de su padre es también la búsqueda de sí mismo, ¿qué clase de persona fue aquella figura distante que él llamo “padre”?, ¿de qué manera se refleja en él o son parecidos? Todo un reto existencialista para un exitoso abogado. Hasta ahora lo había tenido todo, sin preocupaciones, y de pronto, descubre la existencia de gente que ha sufrido mucho, sobre todo violencia, muerte y pobreza.

Alonso Cueto nos entrega una novela de trama muy rica, cuyo interés no decae ni por un segundo, con intrigas, cuestionamientos, especulaciones y un final digno de la historia contada. Estamos ante una de las mejores novelas que aborda la violencia terrorista que vivió el Perú en los años ochentas e inicio de la década siguiente. Esta obra deja en evidencia lo poca logradas que fueron “Radio Ciudad Perdida” (Daniel Alarcón) y “Oreja de Perro” (Iván Thays). Todavía hay mucho que aprender de los maestros.

HENRY FLORES

2009-09-15T12:01:00.002-05:00

EL LIBRO
La iluminación de Katzuo Nakamatzu (2008)
Autor: Augusto Higa Oshiro (Perú)

Katzuo Nakamatzu es un profesor universitario acosado por voces internas. Estas, poco a poco, lo van llevando a la locura, al descenso social, sicológico y corporal. La muerte se muestra atractiva. El suicidio es una buena opción para acabar con tanta degradación, pero no la toma, pues este infierno no solo lo tortura, también es su placer. Su acercamiento a las putas, homosexuales y niños de la calle es para seguir embarrándose más y más, tocar fondo, llegar a lo más bajo de la condición humana, cuando la razón se ha perdido y la locura nos hace semejante a los animales. Este viaje hacia la autodestrucción rinde un fruto inesperado: la iluminación a través de la revelación de la verdadera belleza en el aspecto de un adolescente. Katzuo se postra ante él, rompe en llanto, comprende todo, encuentra lo que no sabía que buscaba: esa belleza pérdida con los años, aquella crispación vital que destroza la apatía que siempre tuvo.

Augusto Higa ha construido una novela breve pero poderosa en su lenguaje, intensa, contemplativa, muy sicológica. Los paisajes limeños son descritos con tal maestría que pareciera que tuvieran sentimientos: paisajes tan tristes, a veces patéticos, como si Lima fuera gris todo el año. Katzuo es un personaje extraño, desconcertante, pero muy, muy entrañable. Un personaje que por su forma de ser, pensar y vivir, se ha ganado un sitio en el podio de los grandes protagonistas de la novela peruana.
HENRY FLORES

2009-09-03T13:08:00.005-05:00

PEARL JAM - TEN REISUSSE (2009)

DIEZ VECES DIEZ

Dieciocho años después de ver la luz por primera vez, TEN -la ópera prima de Pearl Jam- vuelve a ser noticia gracias a su reedición conmemorativa en distintos formatos: remaster, remezcla, bonus, vinilo, dvd, cassette, etc.

Decanos de la generación que reinstaló a Seattle en el mundo, Pearl Jam fue el único de los Cuatro Jinetes del Grunge (Pearl Jam - Alice in Chains – Soundgarden – Nirvana) que logró sortear la muerte prematura y el hastío. Es que siempre hubo en ellos un fuerte instinto de supervivencia (“…Hey I, oh, I'm still alive…”) que los apartó de ciertos tópicos del Grunge, un movimiento con marcada tendencia al fatalismo testimonial.

Seattle dio bandas y discos memorables pero el balance indica que fue TEN, con su impulso a la carrera de Pearl Jam, el encargado de evitar que todo quedara sepultado en los noventa. Es cierto que Mudhoney y unos resucitados Alice in Chains todavía dan pelea aunque en buena medida traccionados por la estela trazada por Vedder y su gente.

Mucho se ha dicho acerca del inconformismo de los integrantes de la banda con la performance de la dupla Parashar-Palmer, encargada de la producción y mezcla original. Tan es así que la banda adelantó dos años el vigésimo aniversario del disco para dar a conocer el resultado del ejercicio de remezcla encargado a su gurú musical Brendan O´Brien.
El experimento intenta arrimar el sonido de TEN al del resto de la discografía del grupo, del cual O´Brien ha sido gran responsable. Una tarea tan válida como innecesaria. Menos reverb tanto en el tratamiento de la voz de Vedder como en las guitarras de Gossard y McCready y mayor volumen en el bajo de Ament crean una sensación similar a la de estar escuchando una regrabación del disco en manos de los Pearl Jam circa 2009. Sólo faltó sentar a Cameron frente a los parches para suplir las sesiones de Krusen.

El gusto lo encontramos en los bonus, entre los que hay que destacar la versión de “Broher”, cuya variante instrumental saboreamos en Lost Dogs (2003) y que aquí se potencia con la voz de Eddie. “Just a Girl” portadora de esa tensión tan propia del típico pulso de la banda y una guitarra solista embrujada que recuerda cada surco de su historia. Allí están las míticas colaboraciones para la OST del filme Singles (1992): “Breath And A Scream” -develando qué tan humeantes estaban por entonces las cenizas de Mother Love Bone- y “State Of Love And Trust”, un clásico instantáneo.

Este lanzamiento es una justa celebración y una buena excusa para el afán de los coleccionistas, pero, difícilmente cambie la historia. Por derecho propio y sin necesidad de aditamentos, TEN forma parte del selecto grupo de álbumes seminales del Grunge gracias a una potente fórmula que combina un rock devoto de Hendrix, Led Zeppelin y The Who, con letras que ahondan en los colores más intensos de la paleta de los dramas humanos. El resultado es bueno porque el material no da margen a error alguno, pero que quede claro: TEN hay uno solo y data de 1991.
JORGE CAÑADA

Escuchen la fabulosa remezcla de "Porch":

2009-08-10T21:11:00.004-05:00

40 AÑOS DEL ABBEY ROAD

EL FIN DEL SUEÑO DORADO

En septiembre de 1969 The Beatles publicaron Abbey Road, su última grabación como cuarteto, o mejor dicho, como suma sinérgica de cuatro geniales individualidades (a estas alturas, ¿alguien cree seriamente que el lugar de Ringo pudo haber sido ocupado por otro baterista?). Se trata de un testamento inalterable que ni siquiera se vio empañado por el triste final que la banda formalizaría medio año más tarde al son de Let it Be (1970), otra obra valiosa pero forzada a nacer a destiempo y condenada al desamor intrínseco, a todo divorcio.

El link con Sgt. Pepper...(1967) es casi inevitable, la sensación de continuidad entre tracks, especialmente en la segunda mitad, los emparenta más por afinidad que por identidad conceptual. Como The Beatles (1966), Abbey Road se parece más a un anticipo del futuro solista que a una reafirmación del concepto de banda. John depura la estirpe de su obra con “Come Together”, arranque contagioso como pocos. Entre efectos de sintetizador moog y el aquelarre de guitarras que precede su abrupto final, "I Want You (She's So Heavy)" es fruto del último encuentro de los cuatro Beatles en mismo estudio. Fue el 20 de agosto de ese año, justo un mes después de la llegada del hombre a la luna y uno antes de que John anticipara a sus compañeros su salida del grupo. “Something” y “Here Comes The Sun” marcan el inicio de una etapa de enorme lucidez creativa para George, ratificada un año más tarde con su disco solista más celebrado: All Things Must Pass (1970). Como siempre, Ringo parece ser el más distendido y el desparpajo de “Octopus’s Garden” lo confirma.

Musicalmente inspirada en la sonata “Claro de luna” de Beethoven, “Because” es una clase magistral de armonía que divide aguas. A partir de allí, en quince minutos construyen un medley plagado de melodías realzadas por su sencillez y donde Paul despliega su talento en dosis justas e inapelables: “You Never Give Me Your Money" y “Golden Slumbers” son dos muestras cabales.

El título, justo homenaje al estudio que los vio crecer como banda, no pudo haber sido más oportuno, Abbey Road exhibe mejor que ninguno de sus discos la enorme potencialidad que la banda (y George Martin!!) podía desarrollar en el estudio de grabación. La emblemática portada los muestra juntos y sin montajes por primera vez desde Rubber Soul, aunque dándose la espalda y en una suerte de marcha que deja atrás y para siempre una historia única e irrepetible. La última línea de “The End” lo dice todo: “...Y al final, el amor que recibes es igual al amor que das”.
JORGE CAÑADA

2009-07-27T20:12:00.005-05:00

NEIL YOUNG
FORK IN THE ROAD

Neil Young ha vuelto a la ruta, y no se trata de una frase hecha. Durante el pasado mes de enero el músico recorrió USA con un Lincoln Continental de 1959 adaptado especialmente para eliminar el consumo de derivados del petróleo. Ese viaje inspiró un puñado de nuevas canciones que junto a otras que ya había estrenado en vivo (“Just Singing a Song”) redondean un compacto set predominantemente eléctrico.

Fork in the Road corría el riesgo de convertirse en un previsible alegato ecologista más, sin embargo, Neil logra captar la atención a fuerza de actitud roquera y sus ya clásicas guitarras distorsionadas. El canadiense habla de renovar los antiguos motores para no dañar más al planeta y del placer de conducir por las largas carreteras americanas, pero el concepto no logra encasillarlo y da cuenta de los temas que siempre lo han obsesionado. Por eso aunque ahora G. W. Bush descanse en su rancho de Texas, le dedica unos versos en la canción “Fork in the Road”: “...este año se olvidaron de saludar a las tropas/ Todos ellos están ahí todavía/en una jodida guerra/ es inútil, ¿de quién fue la idea?...”

El trajinar cansino pero decidido con que abren el camino las guitarras en “When Worlds Collide”, la adicción instantánea que genera “Fuel Line”, la familiaridad con que “Just singing a song” nos transporta a un terreno más clásico y la candidez de “Light a Candle”, son argumentos irrefutables a favor, aún frente a la anemia lírica de la que padecen piezas como “Cough Up The Bucks”. Si la referencia obligada y parámetro absoluto cuando N.Young adopta su faceta eléctrica es Ragged Glory, el disco que en 1990 lo devolvió a su mejor forma luego de los erráticos ochentas y que terminó convirtiéndose en la inesperada antesala del grunge, podría decirse que Fork in the Road no brilla pero tampoco desentona. Lejos de las comparaciones que buscan trazar un paralelo con Reactor (1980), uno de los pocos discos deslucidos en su prolífica carrera, este nuevo trabajo mantiene el listón alto dando digna continuidad a la saga que conforman Living with War (2006) y Chrome Dreams II (2008). Y si alguna duda queda sobre la vigencia del viejo Neil basta con hacerse de la edición que incluye un DVD para conmoverse con su devastadora versión en directo de ”A day in the life”, de The Beatles.

JORGE CAÑADA

2009-07-15T20:07:00.002-05:00

Libro: CONFESIONES DE TAMARA FIOL

Autor: Miguel Gutiérrez (Perú)

Tamara Fiol es una activa mujer que en su juventud perteneció al Partido Comunista Peruano. Aguerrida, luchadora y muy comprometida con sus ideales, tendrá que renunciar a toda actividad política al verse sometida eróticamente por Raúl Arancibia, hombre sin escrúpulos y aberrante que sabe dominarla con el poder de su falo. La vida de Tamara es presentada a través de varias entrevistas que le hace el periodista Morgan, un corresponsal de guerra fascinado con la leyenda de esta señora inválida.

Miguel Gutiérrez no se conforma con presentarnos a esta mítica dama y sus aventuras, también aprovecha para darnos algunas clases sobre la vida civil y política del Perú de comienzos del siglo XX, y el de los noventas (cuando el país se encontraba en llamas por culpa de los terroristas), aunque a veces abusa demasiado de los términos relacionados con el rollo comunista-socialista-marxista, haciéndola poco asequible para el lector promedio. Si le quitamos a esta novela dicho ropaje ideológico, queda una rica historia de pasión, amor, venganza, remordimientos, indignación e ilusiones rotas.

Henry Flores

2009-07-03T12:50:00.004-05:00

PELO MADUEÑO

NO TE SALVES

Pelo Madueño es uno de los pocos artistas locales que ha sabido pasearse como en su casa por el rock subterráneo (Narcosis), comercial (con Micky González) y en medio (La Liga del sueño). Su primer disco solista, Ciudad Naufragio (2004), lo mostró desde España como un músico aún perseverante y decidido a retomar su carrera, incluyendo una ayudadita de Joaquín Sabina. Cuatro años después y con la misma terquedad y envidiable talento, se hace presente con uno de los mejores discos nacionales de esta década que nos abandona.

Madueño no tendrá una voz que le agrade a todos, pero musicalmente está por encima de muchos artistas latinos. Por ejemplo: “Romántico y Ninfómana” exuda exquisitos arreglos de cuerdas, mientras un teclado palpitante cobija con regocijo a un hervidero de riffs, y “Es hora” tiene un final de guitarra sacado de los mejores momentos de Dire Straits.

No te salves no sólo es rock y pop, también es poesía, Madueño no solo la lee, también la escribe y la musicaliza. En “Luna de Miel” se luce con todo: “Alarma y fraude, oferta para un ritual, ramas para el nido, predecible final…Amor de papel, origami y alquitrán, escóndete, miente otra vez, felicidad”. Estamos ante un álbum poco común en nuestro medio, que sabe combinar lo “que aceptan las radios peruanas” con la fuerte personalidad de su autor. Ojalá no demore mucho el tercer disco.
HENRY FLORES

2009-06-25T20:03:00.003-05:00

MICHAEL JACKSON

(1958-2009)

Hoy falleció el superexitoso y talentosísimo Michael Jackson, el rey del pop para muchos.

Desde este blog le rendimos homenaje a este grande de la música.

2009-06-24T18:56:00.011-05:00

GHENDT: DE VOYEURISMOS Y MIRADAS OBSCENAS

Escribe: Rogelio Llanos Q.

- I -

Caminando por Corrientes encontré en una librería un libro cuyo título llamó poderosamente mi atención: El Orgasmo y Occidente (1), cuyo autor Robert Muchembled es un doctor en Historia y especialista en Historia Moderna. No voy a comentar el libro o resumirlo como en el pasado hice con La Vida Sexual en la Antigua China (2). Baste por ahora decir que el libro es un amplio y detallado recorrido de quinientos años de historia del placer carnal y a lo largo del cual encontramos de manera alternada períodos de intensa represión con aquellos otros de gran relajamiento de las costumbres sexuales.

Lo que motiva mi deseo de escribir este pequeño texto es el descubrimiento de un nombre y unos cuadros. Se trata de Emanuel Jean Nepomucène de Ghendt (1738-1815), que en pleno siglo XVIII, escandalizó a la sociedad de entonces con sus cuadros cuyos títulos aludían al paso de las horas. Precisamente, el título de la serie se denominó Les Heures du Jour, y cada uno de los cuadros, Le Matin (la Mañana), Le Midi (el Medidodía), Le Soir (La Tarde) y La Nuit (la Noche).
En pleno siglo XVIII, algunos nombres como los de François Boucher (1703-1770), Jean-Antoine Watteau (1684-1721) y Honoré Fragonard (1732-1806), dominaban el escenario europeo en el ámbito de la pintura. Eran los tiempos en los que había una gran atracción por los paisajes bucólicos y por el predominio de “lo lúdico sobre lo serio, lo femenino sobre lo masculino, lo decorativo sobre lo sustancial y lo privado sobre lo público”, según un texto de David T. Gies (Universidad de Virginia) (3). El del siglo XVIII era pues un “mundo de elegancia, intimidad, gracia, juego, sentimiento, encanto” (4). Es decir, un mundo dotado de todos aquellos deliciosos componentes del erotismo, que en palabras de Gies, finalmente llegó a estallar hacia finales del siglo.

Si el siglo XVII había sido el del descubrimiento del cuerpo humano, el siglo XVIII fue el de la auscultación de sus posibilidades sensoriales. “Después de Harvey, Locke, Bacon, Newton y demás, el hombre se contempla dentro de una naturaleza observable” (5). Esta fiesta del descubrimiento, de la revelación, fue un poderoso motor para que muchos artistas volvieran la mirada al cuerpo humano y lo plasmaran en sus escritos, en sus pinturas, en suma, en su arte. Pero esa vocación por la recreación de las formas humanas también llevó a la plasmación en letras e imágenes de aquellas actividades, gestos y acciones íntimas que, por un lado, revelaban ese lado oculto y misterioso que poseen los seres humanos, y por otro, ponían al descubierto la hipocresía y moralismos de ciertas clases sociales o grupos humanos dominantes que, no vacilaron, en su momento con reprimir aquellas manifestaciones que se desviaban de lo entendido o establecido como normalidad. El libro El Orgasmo y Occidente refiere con gran minuciosidad los flujos y reflujos de esas ondas represoras o liberales.

- II -

Los cuadros de Ghendt fueron en su momento motivo de escándalo y, claro está, formaron parte de lo que en esa época empezó a conocerse como pornografía. Hoy en día tales imágenes forman parte, más bien, de galerías y exposiciones. Pero, claro, bajo la mentalidad existente en el XVIII, un cuadro como Le Matin, que muestra a un hombre escondido mirando impunemente y presa del deseo, el reposo de una joven que exhibe no sólo las piernas (que ya hubiera sido bastante para la época) sino sobre todo los muslos en una posición provocadora, la única respuesta pública posible era el rechazo, aún cuando en el ámbito privado el goce y el placer individual fuera una constante.

Mirando con atención el cuadro, la luz incide de manera osada sobre las piernas de la joven que yace entregada de manera confiada al sueño. Las ropas replegadas sobre su cuerpo sugieren los goces experimentados durante la noche, tal como lo permite prever esas sombras que bañan el cuerpo femenino de la cintura hacia arriba. El voyeur, con el rostro adelantado, sugiere un comportamiento salaz, en claro contraste con la actitud de sorpresa de parte del pequeño personaje que está a su lado.

A diferencia de Le Matin, Le Midi es más sutil. El motivo voyeurista continúa presente, pero ahora está fuera de cuadro. El espectador es ahora el voyeurista. Y Ghendt incide en ello acentuando la luz sobre el cuerpo femenino. Sobre todo el cuerpo femenino. El cuadro es excepcional. Tiene la apariencia de una instantánea fotográfica, en la que el voyeur (el autor del cuadro o el espectador) han sorprendido a la joven, justamente en el momento en que alcanza el clímax. Precisa la expresión de la joven, totalmente poseída por el placer, la pierna izquierda levantada, estirada, con el zapato escapando de su pie. La mano izquierda, bajo la ropa, posada sobre su pubis, Ahhh y el delicioso detalle de la mano izquierda en posición de abandono en dirección del libro motivador, del libro pecaminoso. ¿Se imaginan lo que tal imagen provocó en su época? Sí, en aquella época en donde el placer autoerótico femenino era impensable o prohibido y donde la transgresión de las buenas costumbres tenía el sabor de lo subversivo, de lo diabólico.

Le Soir es una continuación de este motivo voyeurista. No sólo el pintor o el espectador gozan con la visión de lo prohibido. También gozan los personajes involucrados en el cuadro. El espejo les permite reflejar sus propias formas. Y su mirada es la de sorpresa y fascinación. El seno desnudo y todo el perfil izquierdo de la joven tienen una gran carga sensual que es intensificada tanto por la luz como por la mirada de la tercera joven vestida cuyo placer es mirar cómo las dos mujeres desnudas van descubriendo en el espejo los tesoros que sus cuerpos encierran.

Resulta interesante observar también cómo las ropas, las cortinas, las sábanas, los cobertores aparecen desarreglados, movidos, desordenados, con lo cual se crea una sensación de inseguridad, de precariedad y de misterio, cuando no de amenaza. Como si se intentara reflejar con ello, las grandes pasiones que corren en el interior de los seres humanos que habitan el cuadro. En medio de ese universo en turbulencia, la imagen de una joven o de unas jóvenes, a medio vestir o desnudas nos transmiten una singular sensación en la que se entremezclan la serenidad y la sensualidad, la paz y el deseo.

Incluso, La Nuit, siendo como es, un cuadro en el que la oscuridad, las nubes en movimiento, los árboles inclinados, la luna semioculta, connotan agitación y pasiones violentas, el efecto final es más bien de una serenidad que nos conmueve y que nos lleva a la contemplación discreta de esa pareja de amantes que se han dado cita en mitad de la noche, y cuya actitud –entrega total la de ella, deseo de posesión de parte de él- apreciamos con mirada cómplice y gozosa.

El erotismo siempre fue subversivo. ¿Qué motivó a Ghendt a enfrentar a los moralistas, cucufatos e hipócritas de su época? En verdad que no lo sé. No he investigado al respecto. Sin embargo, una serie de cuadros como la de Ghendt es una buena muestra de lo que probablemente esta actividad subterránea dio pábulo en la época: escándalo, represión y persecución. Lo que no nos cabe duda es que una obra como ésta, sin ambiciones, claramente rústica e intencionalmente erótica (pornográfica la habríamos llamado en nuestro siglo), contribuyó de manera decisiva a abrir puertas, mentes y consciencias. Lo que no es poco, realmente.
_________________
Notas
(1) Muchembled, Robert – El Orgasmo en Occidente. 1ra ed. Buenos Aires, Fondo de Cultura Económica, 2008. 432 p. Trad. por J. Almela [original Inglés]
(2) Van Gulik, R. H. – La Vida Sexual en la Antigua China. Madrid, Ediciones Siruela, 2000. 608 p. Trad, por R. Blanco [original Inglés]
(3) Gies, David - Más Sobre el Erotisno Rococó en la Poesía Española. Universidad de Virginia. Texto extraído de Internet.
(4) Ibídem
(5) Ibídem

2009-06-20T23:41:00.007-05:00

KINA MALPARTIDA

¡PERÚ CAMPEÓN!

Nuestra campeona (e hincha de Alianza Lima) Kina Malpartida masacró a la retadora brasileña, Halana do Santos, y retuvo el título mundial de boxeo en la categoría superpluma de la AMB.

Solo 7 rounds bastaron para que nuestra Kina dejara en el limbo a su rival y así ganar su primera pelea en defensa de su título mundial.

¡arriba PERÚ!

2009-06-18T10:31:00.009-05:00

PAUL McCARTNEY

¡FELIZ CUMPLEAÑOS!

El cantautor de música popular más exitoso de todos los tiempos cumple hoy 67 años y tiene cuerda para rato.
Salud y larga vida a Sir Paul!!!!

Los dejo con el video de la canción: "Ever Present Past" del 2007, un delicioso brit pop que muestra el inagotable talento de Macca:

2009-06-11T14:33:00.001-05:00

Rosario Tijeras
Autor: Jorge Franco Ramos (Colombia)
Novela de lenguaje simple que aborda con profundidad tópicos como la violencia y el amor en una ciudad tan convulsionada como Medellín. Rosario es una joven delincuente, de bajo estrato social, que se involucra sentimentalmente con dos muchachos de clase alta. Ella los irá arrastrando poco a poco a su modus vivendi y operandi, al margen de la ley, empachado de drogas, crímenes, sexo. El final: la muerte de Rosario, asesina, drogadicta, prostituta; sus besos ya sabían a muerte desde antes que la mataran. El amor no es suficiente para rescatarla, el amor del último de la fila, el más fiel y el menos trascendente. Una grata sorpresa haber encontrado a un escritor colombiano que me hiciera olvidar por un buen rato a la María del Carmen de Andrés Caicedo.
Henry Flores

2009-06-02T18:46:00.003-05:00

ANDRÉS CALAMARO - Obras Incompletas (La”caja”)
En busca del tiempo perdido

¿Cómo abordar esta obra inconmensurable (e Incompleta!) que escapa a todo parámetro conocido hasta ahora para el “Rock en Castellano”? No se trata de un “simple” ejercicio compilatorio de alcances enciclopédicos. La monumentalidad no lo es todo aquí. Que la Caja no tape las Canciones.

El almanaque dirá “1997-2007”, apenas el tiempo transcurrido entre “Alta Suciedad” y “la Lengua Popular”. Si aún sigue en pie aquello de qué veinte años no es nada, habrá que acordar que aquí la mitad de tiempo alcanzó para mucho. Esta no es una Década Perdida. El hecho artístico sigue girando en torno al tándem “Honestidad Brutal – El Salmón”. Vigilia creativa sin precedentes que alumbró de parto natural varios cientos de canciones durante la primera mitad del decenio en cuestión. El resto es la crónica de un “regreso” con gloria.

Es aquella catarsis compositiva lo que subyace en el interior de este box set excediendo el mero acopio de éxitos o la exuberancia sin concepto. Ristras de canciones que por años pendieron de blogs, Webs y otros reductos cibernéticos, decantaron sabiamente para ver la merecida luz del día (vaya paradoja si reparamos en su inescindible esencia noctámbula).

Recurriendo al léxico taurino, tan afín a la dialéctica de Andrés, podríamos separar “La Caja” en tercios. Tres primeros discos que prueban la contundencia de la obra, lo que Calamaro llama “contenidos oficiales” no es más que un incontenible aluvión de piezas que todos hemos oído al menos una vez. Siguen otros tres discos pletóricos de demos, rarezas y covers (deleite de todo fan). La estocada final queda a cargo de las imágenes. Dos DVD’s y un libro donde el propio músico y su entorno comentan, con gratitud y un dejo melancólico, cada una de las 109 canciones. Muy buena Faena, orejas y rabo para el matador.

Puesta en escena del enfrentamiento del hombre con el infinito, La Caja es una suerte de Aleph, el punto que contiene todos los puntos del universo Calamaro. Está el Andrés que con desenfado revisita su etapa de Abuelo recién jubilado gritando a los cuatro vientos que está “loco por ti”, el que se quita las esquirlas de las Guerras Charlystas (“Flaca”), el Rockero inspirado y vertiginoso de “Cuatro Jinetes” (“...uno de los mejores rocks de menos de dos minutos…”, según su propio dictamen), el enigmático y claustrofóbico de “Rivothriller”, el que dispara himnos inmortales (“Paloma”), el que se codea con lo más mentado del flamenco y el cante jondo (“Estadio Azteca” y “La Ranchada de los Paraguayos”), y el porteño nostálgico y redimido (“Nostalgias”, “No tan Buenos Aires” y “Cafetín de Buenos Aires”).

¿Qué vendrá luego de esta suerte de testamento en vida? Por lo pronto su última grabación conocida fue el fruto de una reunión con los músicos de su primera banda: RAÍCES. (Referencia circular o cómo el Salmón se muerde la cola). ¿Simple coincidencia o tautológica señal de regreso a las fuentes?
Jorge Cañada

2009-05-22T16:07:00.002-05:00

1990s /Kicks
Difícil quitarse de la mente las pegajosas canciones del vibrante debut Cookies (2007), y por lo que escucho de esta segunda entrega, las tonadas primigenias seguirán vigentes. Con esto no quiero decir que Kicks es un disco mediocre o un retroceso en el derrotero de estos chicos de Glasgow. Simplemente, aquí hacen falta canciones urgentes, que tengan prisa por hacerte una trepanación craneana, desenfadadas. Aquí la frescura se ha perdido, las tonadas están con el ánimo dosificado, ¿tan pronto les llegó la “madurez”?

Temas como “Vondelpark” y “I Don’t Know Even What That Is” tienen la marca de su debut, pero ni siquiera la más fiestera, “Giddy Up”, contiene su alto octanaje. “Tell Me When You’re Ready” y “The Box” son intentos serios por expandir sus horizontes con la ayuda de sintetizadores que chispean carisma y con las nuevas distorsiones de sus riffs; lo mismo sucede con “Everybody Please Relax” y sus cambios de tempo bien aprovechados. Melodías validas, atractivas, otras sin ton ni son, que comparten un origen con dolores de parto. Al parecer, la resaca por la interminable juerga del Cookies le pasó factura a este promisorio trío.
HENRY FLORES

2009-05-11T18:43:00.001-05:00

Chris Cornell

Scream (2009)
Casi todo el mundo opina que Cornell ha hecho el ridículo de su vida al asociarse con el productor pop Timbaland y dejar que todo el mundo meta sus narices (incluido Justin Timbarlake) en la elaboración de esta su tercera placa en solitario: un engendro que rebosa pop, electrónica y R&B. Muchos fans jamás le perdonarán que haya abandonado la guitarra, los gritos y esos acordes furiosos de sus momentos de gloria con Soundgarden y Audioslave, por los sampleos, falsetes, tecladitos y demás pastas (mariconadas según los metaleros). Si nos calmamos, libramos de ciertos prejuicios y encasillamientos y lo escuchamos sin mala leche, descubriremos un álbum al que se le puede calificar como atrevido y arriesgado, con más momentos notables (“Part Of Me”, “Get Up” o la blusera “Two Drink Minimun”), que deplorables (“Ground Zero”, “Never Far Away”) y con canciones agridulces como “Sweet Revenge” que te hacen dudar de tus buenos gustos musicales. Lo que nadie le puede recriminar a Cornell es su valentía al reconocer su agotamiento creativo en las lides del hard rock, visible en su Carry On (2007). Solo el tiempo dirá si esta refrescada en las aguas del pop es la terapia que necesitaba.
HENRY FLORES

2009-05-03T19:13:00.010-05:00

Oasis en vivo – Lima, Perú (30 de abril de 2009)

CONCIERTO SUPERSÓNICO

La banda que le devolvió la esperanza al rock británico en los noventas, heredera de actos fundacionales como The Beatles y Stone Roses. Una de las que más himnos le dieron a su generación. Oasis, el monstruo británico de dos cabezas, por fin llegó a Lima y en una sola noche devoró a más de cuarenta mil personas en el estadio José Díaz. ¿Cuánto duró aquel festín?, pues poco más de cien minutos. Monstruo tacaño, pero imponente. Ciento cinco minutos de felicidad, tan pocos ante quince años de espera, pero suficiente para llevarnos por el túnel del tiempo hacia aquella década, los irrepetibles noventas, en la que ser adolescente no solo significó estar lleno de frustraciones, sino también, tener vida plena, rozando la inmortalidad.

El intro de “Fuckin’ in The Bushes” sirvió de fondo musical a la aparición de la banda en el escenario. ¡Sí! Ahí estaban los hermanos Gallagher, no en pósters, revistas o videos, sino ¡en vivo y en directo!: Noel con su Epiphone Casino y su clásico peinado mod, Liam de pelo corto, usando abrigo y pandereta en mano, los demás integrantes vestidos con sobriedad. De pronto el grito de la fanaticada se opaca ante la aplanadora “Rock n’ Roll Star”, primer mazazo de la noche y primer tema de su clásico debut “Definitely Maybe” (1994), comienzan los cánticos, los saltos, la alegría hecha cinética y algunos forcejeos con gente que no sabe que la finalidad de estar en primera fila es la de disfrutar al máximo de un concierto, no para estar quietos, para eso mejor que se vayan a la tribuna.

Luego, “Layla”, una canción de estadios por excelencia, compuesto con alevosía para estos menesteres. La gente presa de la euforia. La musculosa “The Shock Of The Lightning” presentó el último trabajo de estudio de estos inoxidables británicos: Dig Out Your Soul (2008), más adelante también desfilaron jovencitas atractivas como “Waiting For The Rapture” y “I’m Outta Time”. La desenfrenada “Cigarettes & Alcohol” nos regresó a la época prístina del grupo, con sus idas y vueltas gracias a “Slide Away” y “Supersonic”. Tantas buenas canciones no lograban aplacar al apetito melómano del público, al unísono pedíamos “Live Forever” (“vivir para siempre”), la negativa de Liam fue contundente y con clase: “You Too” (“ustedes también”). En “The Masterplan”, bella, semi acústica, Noel demostró lo bien que conserva su voz. Noel, el guitarrista, el artesano, el talentoso, el compositor, el músico.

El disco más famoso de la banda y para muchos su obra maestra, (What’s The Story) Morning Glory? (1995), se hizo presente, recordándonos su estatus de hito discográfico. “Morning Glory” con sus riffs incandescentes literalmente nos abrasó. “Wonderwall”, clásico de clásicos, fue robado por el público, a Liam no le quedó otra que unirse a la multitud y cantar con ella. El menor de los Gallagher por momentos evidenció un desgaste en la voz, causado por sus excesos con el alcohol, pero supo usar muy bien sus pulmones en los himnos, notable en la melódica “Champage Supernova”. De vez en cuando se le veía peleándose con el micrófono, sacándole la lengua, tratando de morderlo, cuando sentía que los instrumentos lo opacaban, no hay duda, es un tipo fuera de serie, un front man con personalidad. Liam, la voz nasal, el rostro, la pose, la actitud, la arrogancia, el rockstar.

Oasis no acostumbra a interactuar con su público, parcos como nadie, hace un tiempo alguien los definió como “cinco estacas clavadas en un escenario”. Por eso adquieren inmenso valor momentos como el que protagonizó un Noel emocionado y con sonrisa de oreja a oreja, agradeciendo en castellano luego que todos, y repito, todos, los asistentes lo acompañaran en las estrofas (y en plan karoke en los coros) en la interpretación de la bella “Don’t Look Back in Anger”, ¿lágrimas en nosotros?, pues sí, ¿por qué no?, era nuestro derecho, nuestra felicidad, nuestro pasado vivido en el presente, el chibolo que fuiste ahora camina delante tuyo gracias al soundtrack de tu vida. Liam también nos metió al bolsillo con sus palabras corteses (nada común en él), en ocasiones se dedicó a mirar detenidamente a la multitud y su estadio, tanta emoción y entrega habrá percibido que le oímos frases como: “Son la mejor ciudad en años”, “Son los números uno, nos vemos en cinco” y el éxtasis total cuando al terminar la última canción (“I’m the Walrus”) se bajó del escenario para darle la mano a su hinchada fiel. Sin duda los peruanos les movimos el piso.

Llevo más de una década escuchando a Oasis. Una de sus letras que más recuerdo y que más me ha impactado es: “Please don’t put your life in the hands of a rock n’ roll band” (“Por favor no pongas tu vida en las manos de una banda de rock”). Aquella última noche de abril, luego de haber esperado para entrar al estadio por más de diez horas, con hambre, sed y otras necesidades, luego de haber cantado, saltado, sudado, y demás verbos en “-ado”, salí a toda prisa en busca de una movilidad que me llevara al trabajo, tenía turno de noche. Toda una odisea. Todo por una de mis bandas favoritas. Por primera vez sufrí aquella letra de Noel, y me sentí orgulloso.
HENRY FLORES

SET LIST

Fuckin’ in the Bushes
Rock ‘n’ Roll Star
Lyla
The Shock Of The Lightning
Cigarettes & Alcohol
The Meaning of Soul
To Be Where There’s Life
Waiting For The Rapture
The Masterplan
Songbird
Slide Away
Morning Glory
Ain’t Got Nothin’
The Importance of Being Idle
I’m Outta Time
Wonderwall
Supersonic
————————————
Don’t Look Back In Anger
Falling Down
Champagne Supernova
I Am The Walrus (The Beatles cover)

2009-04-27T18:47:00.002-05:00

U2
No Line On The Horizon
U2 ha vuelto, y como esas mujeres que no saben pasar desapercibidas apela a sus viejos encantos para sorprendernos una vez más. Bono lo anuncia desde las primeras líneas: “Conozco una chica que es como el mar, la miro cambiándose cada día para mí”. Justo cuando la fórmula de seducción comenzaba a exhibir alguna ligera muestra de agotamiento (“How to Dismantle...” no fue más que una eficaz secuela de “All That You Can´t...”), U2 revolvió su viejo vestuario para redescubrir las prendas que mejor supo lucir en sus años mozos y que nosotros olvidamos deslumbrados por los maquillajes con que logró encandilarnos durante los últimos 25 años.

Presuntuosos, se miran en el espejo de “The Unforgettable Fire”, obra clave y punto de intersección con sus productores estrella Brian Eno y Daniel Lanois, hoy también coautores de las canciones. La vida los juntó en plena pubertad de la banda. U2, esa misma mujer que ahora promedia los 30, parece abrevar en la fuente de su propia juventud para atravesar con aires renovados la madurez. Bono vuelve a cantar con urgencia (el track que da nombre al disco es la mejor prueba de ello). The Edge abandona por momentos su modelo patentado (detenerse en el puente que cruza “Moment of Surrender”), Larry se permite instantes de incorrección (“FEZ-Being born”) y Clayton… bueno, que sería de U2 sin esas líneas de bajo galopante.

Ahora U2 tiene sobrada confianza y sabe que puede cautivarnos con su propia esencia. No necesita tomar prestadas las mejores ropas de otros para crear un estilo innovador. "El derecho al ridículo es algo que aprecio mucho” dice Bono en “I´ll Go Crazy…”. U2 es un clásico, aunque pareciera que recién en este disco se asume como tal. Bastó con mirar alrededor y darse cuenta que ahora es el resto el que se prueba sus modelos para seducir. Ya vieron a muchos de sus clones desfilar por los escenarios en los últimos años.
Jorge Cañada

2009-04-19T16:14:00.001-05:00

El amuleto
Roberto Bolaño (Chile-México)
Rica en prosa y en poesía. Con un final muy emotivo, que te sacude el alma, que te hace reflexionar sobre nuestra querida Latinoamérica y su juventud. Esta novela corta del resucitado Bolaño cuenta la historia de Auxilio Lacouture, poeta uruguaya, radicada en México D.F., la llaman la madre de la poesía mexicana y lleva una vida bohemia, entre la universidad y los bares. Un hecho marca su vida y a partir de allí todas sus vivencias y pensamientos los comparará o le remitirán a dicho acontecimiento: haberse quedado sola y oculta en un baño durante trece días en la UNAM, mientras los militares la invadían en septiembre de 1968. ¿El arte salvará a nuestros pueblos? ¿Para un poeta o escritor le basta luchar con las palabras o hay que actuar como lo hizo Arturo Belano?
Paul Eduardo R.

2009-03-31T18:41:00.004-05:00

“Radio Ciudad Perdida”
Daniel Alarcón (Perú - USA)

Norma tiene un programa radial llamado Radio Ciudad Perdida, al cual la gente telefonea para pedir o brindar información sobre sus seres queridos, desaparecidos durante la guerra civil entre el ejército y los terroristas. Ella perdió a su esposo, Rey, hace diez años. La inesperada aparición de un niño, Víctor, le dará algunas luces sobre el paradero de su cónyuge. Su tristeza llega al máximo cuando descubre que Víctor es el hijo de su esposo, fruto de su infidelidad con una mujer de la selva, cuando él hacía sus viajes científicos combinado con sus labores de apoyo al grupo terrorista IL. Norma nunca llega a saber toda la verdad, pero acepta la idea de que Reyes está muerto cuando se entera que el ejército lo capturó en el pueblito “1797”.

Nacido en el Perú y criado en los Estados Unidos, Daniel Alarcón ha intentado abordar el problema del terrorismo que sufrimos los peruanos hace unos años. Para ello se inventó un país parecido al nuestro, con enfermedades similares: violencia terrorista, gobierno inepto, ejército cruel, torturas, etc. Si yo no fuera peruano esta obra me hubiera parecido una ficción bien escrita, de argumento rico y convincente, a pesar de algunas intromisiones reflexivas de su autor que evitan por momentos que la historia cobre vida propia. Pero lo soy, y he vivido y sufrido aquel flagelo subversivo, por lo tanto, algunas descripciones de los hechos me parecen inverosímiles y hasta cierto punto cómicas. En cristiano: no me creo el cuento.

Paul Eduardo R.

2009-03-22T17:49:00.004-05:00

"Lo bello y lo triste"
Yasunari Kawabata (Japón)

Oki es un escritor cincuentón que busca revivir la relación amorosa extramarital que tuvo hace más de dos décadas con la reconocida pintora Otoko, en ese entonces una hermosa adolescente de quince años. No le será posible debido a la presencia de la bella, veinteañera e inescrupulosa Keiko -discípula y amante de Otoko-, quien está dispuesta a vengar el sufrimiento adolescente de su maestra con el arma de la seducción dirigida hacia sus dos víctimas: él y su hijo mayor.

En esta novela póstuma el gran premio Nobel japonés elabora un indestructible suspenso basado más en los sentimientos (expectativas, nostalgia, rencor, amor reprimido, insatisfacciones, celos, etc.) que en las acciones de sus personajes, con un desenlace tan desconcertante y nada especial que a primera vista pareciera no hacerle justicia a lo narrado con anterioridad por culpa de su eximia técnica narrativa que le da el toque extraordinario a cualquier historia común y corriente.

El acucioso e incisivo retrato de los pensamientos y estados de ánimo de los protagonistas, hacen de Kawabata un diestro creador, manipulador perfecto, los mueve a su antojo, ante cualquier acción una reacción y viceversa. Llama poderosamente la atención su obsesión con los paisajes, con los lugares donde se da la historia, los describe con precisión, armonía, resaltando sus atractivos, con la vehemencia de un agente de turismo, pareciera que el escritor pierde tiempo o desperdicia tinta en tantos detalles, pero en realidad, busca la identificación y el compromiso total del lector con su obra, con el espacio, el tiempo y los personajes. Un involucramiento que tenga la misma devoción que el escritor sentía por la literatura.
Henry Flores

2009-03-15T16:33:00.004-05:00

Franz Ferdinand
Tonight: Franz Ferdinand

Un álbum como este, basado en las fiestas interminables, discotecas, resaca dominguera y demás postres, es tan intrascendente y superficial como cualquier concurso de belleza que corona a la Miss “Sin Cerebro” del año. Pero, si el concepto sirve de pretexto para elaborar canciones atractivas, bailables y en algunos casos sobresalientes en arreglos y ejecución, entonces, nos olvidamos del inglés y nos dedicamos a tararear y bailar.

Luego del presuroso y algo descuidado You Could Have It So Much Better (2005), los Ferdinand se tomaron su debido tiempo para ir más allá del marcado post punk de su exitoso y epónimo debut del 2004. El resultado: canciones con más disco, más dub, más pop, con apoyo de sintetizadores rusos, un bajo protagónico y el buen tino de dejar que las guitarras arremetan en los coros sin vehemencia ni distorsiones y con ánimos fiesteros.

En el primer track y single, “Ullyses”, un autosuficiente Kapranos proclama: “bien, encontré un nuevo camino, vamos no me hagas sonreír, no necesito tu simpatía”, música y letra que anuncia el derrotero del álbum. Los dos temas que siguen, ““Turn It On” y “No You Girls” (la mejor canción), comparten la fórmula del primero: un bajo al inicio que marca el ritmo sin mostrar aún la dirección, no guía, solo irrumpe, morboso, oteando el paisaje que le comienza a dibujar la batería, luego las pinceladas de sintetizador o la guitarra en la estrofa y el desborde de riffs en los coros melosos.

Esta receta se repetirá en cuatro canciones más, destacando el disco rock de “Can’t Stop Feeling”, con el peligro de caer en un formulismo que atenta contra la ambiciosa “Lucid Dreams” -cuya extensión de casi ocho minutos rellenados con teclados la hacen sonar forzada, menos digerible y menos divertida-, la desacelerada “Dream Again” y la acústica “Katherine Kiss Me” que poco aportan, pues cuando hay una buena fiesta, no queremos que acabe. Detestamos la resaca dominguera con sus amanecidas tristes y de migrañas.
Henry Flores

2009-03-03T13:31:00.002-05:00

MICRO RELATO
DECISIÓN Y LOCURA
Se decide a hacerlo. El rojizo brillo de sus ojos revela una firmeza que no había tenido en meses. Abraham deja de apuntarse el interior de la boca, cambia de dirección, ciento ochenta grados, frente a frente el hierro con su víctima. Sabiendo que reacciona tan rápido como él, no lo piensa ni dos segundos, dispara, dispara, dispara y dispara. El olor a pólvora en un espacio tan pequeño le sofoca. Le pica la nariz. Se calma, toma conciencia de lo que ha hecho, se decepciona, se siente idiota, un loco de mierda. Huye apresurado.

En el suelo quedan un par de casquillos muy alejados entre sí, de los otros dos ni rastro. También cientos de pedacitos de vidrio roto, aleatoriamente desparramados, que hace unos segundos formaban el único espejo del cuarto de baño. Casi todo está en orden: los cepillos, el champú, el jabón, las toallas, las lociones. La víctima, con mucho esfuerzo inútil, trata de hacerse escuchar, grita, maldice, a pesar de su resquebrajamiento corporal: ¡No puedo creer que te hayas atrevido a tanto! ¡Maldito bastardo! ¡Criminal! ¿Dónde estás? ¡Déjate ver! ¡No te imaginas lo que te espera! ¡No dejaré de atormentarte hasta que la pólvora se mezcle con tu saliva! ¡De ahora en adelante cada vez que nos encontremos te haré sentir lo desgraciado que eres, lo poco que vales, la nada que tienes, la nimiedad de tus espermas!Abraham ya está muy lejos de ahí, y así estuviera al otro lado de la habitación no podría escuchar con claridad a esa voz que pretende lacerarlo. Esa voz aún viva pero debilitada por las ráfagas desbocadas de un ser en conflicto. La víctima sigue en el suelo húmedo, sin nadie que la recoja. Ni los vecinos, ni los papás de Abraham, ni los niños, ni la chacha. Nadie sube en su auxilio. Porque a una voz desparramada en cientos de pedacitos nadie le presta atención, solo se la amontona, se la recoge y se la echa a la basura.
Henry Flores

2009-02-26T13:25:00.002-05:00

R.E.M. live at Panatinaiko Stadium Athens, Greece (2008)
R.E.M. ON STAGE REVISITED

A Yolanda, sin duda alguna,
Entre la obstinación y la ternura,
Entre la obsesión y la melancolía.

Este video testimonia con fidelidad uno de los episodios del último tour mundial de Stipe, Mills y Buck. Y lo interesante y valioso de este vídeo, registro de la última escala europea (5 de octubre de 2008), es que refleja bastante bien lo que esta banda hizo una y otra vez a lo largo de los múltiples escenarios por los que exhibió un repertorio cargado de emoción y vitalidad y que, luego reeditaría con igual éxito en el segmento sudamericano de la gira.

La cámara a la altura del hombre ve pasar en penumbra a Mike Mills, con su habitual sombrero vaquero; le sigue Mike Stipe con saco oscuro, camisa rayada y corbata del mismo estilo, allí nomás, detrás de él, sale el bueno de Peter Buck ubicándose a la izquierda del escenario. Aclamación del público. Las luces se encienden, mientras las cuerdas de Buck y los platillos de Rieflin anuncian el arrollador “Living Well is the Best Revenge”, con el que se inicia ese fascinante ritual de R.E.M. sobre el escenario. Y ya desde ese arranque Stipe se muestra vital, aún cuando su voz la notamos más ronca de lo habitual, pero su entrega al público es, típico en él, incondicional y generosa. Luego, viene el hit “What’s the Frequency Kenneth?” que las cámaras registran, en planos espectaculares desde arriba, desde el público y con planos cercanos. De pronto el esperado “Drive” que nos emociona. Sí, muchachos, nadie tiene que decirles por dónde deben ir, nadie tiene que dirigirlos, manipularlos. La música de R.E.M. destila actualidad, rebeldía, sin perder su sensibilidad. Jamás llegará al vulgar panfleto, pero sí se las trae con su dureza y su ironía, cuando no con el insulto directo y sin subterfugios a quienes tienen las riendas del poder en su país.

Cuando llega “Losing My Religion” la aclamación es general, apenas se perciben sus sonidos. Sin duda, el público aquí, allá y en todas partes, actúa, siente y responde de manera similar ante aquellos temas que los ‘mass-media’ han convertido en hits. “Let Me In”, sin embargo, interpretada en un tono intimista, con la percusión ausente, y los músicos, dispuestos en círculo, tocando las acústicas. Y una vez más, de retorno al plano contestatario, a la expresión dura contra el establishment, cuando no la expresión irónica cortando como el filo de una navaja: “Horse to Water”. Y para rematar, la aplastante “Orange Crush” y una alusión al agente cancerígeno que usaron los americanos en Vietnam. Pero, luego, el tono amable se instala una vez más en el escenario con “Imitation of Life”. Amable sí, pero sin perder de vista la mentira que vivimos, el cine de Hollywood y su imitación de la vida, la farsa, la ficción.

El encore, compuesto de tres temas: “Supernatural Superserious”, “It’s The End of The World” y “Man on the Moon”, no hizo más que confirmar lo que R.E.M. hizo a lo largo del concierto: mostrar que es una banda que se encuentra pasando un gran momento, que su música –sin dejar de conmovernos por la riqueza de sus sonidos- está concebida para inquietarnos, movernos, apelando a la emoción, a nuestra sensibilidad de melómanos, pero también a nuestra condición de seres inteligentes capaces de cambiar el estado de cosas en el que vivimos.
Rogelio Llanos Q.

2009-02-18T12:33:00.002-05:00

BRUCE SPRINGSTEEN

WORKING ON A DREAM (2009)

“Working on a Dream” pudo ser el slogan perfecto de la campaña de Obama, no sólo porque 45 años después retoma desde la retórica el histórico discurso de MLK que el nuevo hombre fuerte de la Casa Blanca parece encarnar mejor que nadie, sino también porque describe ascéticamente la misión que le cabe al nuevo presidente de los EE.UU., obligado por las circunstancias a reconstruir el tan mentado sueño americano. Bruce Springsteen vio y describió como pocos los millones de traspiés que el “american-way-of-life” acumuló en las últimas cuatro décadas. Desde los albores de los 70´ viene retratando a los antihéroes de la Norteamérica profunda que han sufrido en carne propia las inequidades del “sistema”. “Working on a Dream”, su nuevo disco, abre y cierra con la historia de dos de esos clásicos personajes que suelen poblar sus discos, la épica “Outlaw Pete” (algunos pretenden ver un plagio a “I was made for loving you” de KISS) y “The Wrestler”, una pieza devota de discos más introspectivos y acústicos como “Nebraska” o “The Gosth of Tom Joad”.

La vuelta a escena de la E Street Band se evidencia en himnos de estadio como “Lucky Day”, donde resurge con brío el espíritu de “Born in the USA”, en cambio “This Life” y “Queen of the Supermarket” rinden respetuoso tributo a Brian Wilson y Roy Orbison respectivamente. Luego, un blues de estirpe Missisipi como “Good Eye” y otra sentida despedida a un amigo (RIP Danny Federici, tecladista de la ESB) en “The last Carnival” hacen que, aún con pocos matices, este sea uno de sus discos más versátiles.

Así como “The Rising” fue la catarsis del 9-11 y “Magic” anticipaba el desastroso final de la era Bush, “Working on a Dream” funciona como un esperanzador intento por disipar la oscuridad que hoy amenaza con envolver al mundo tal como lo conocemos desde la caída del Muro de Berlín. Al fin y al cabo, la belleza está esperándonos en un mundo donde todo lo que deseamos está al alcance de nuestras manos, canta Bruce en “Queen of the Supermarket”.
JORGE CAÑADA

2009-02-09T18:33:00.002-05:00

AMANECIENDO

Faltan dos minutos. Pasaron siete u ocho horas, perdí la cuenta. Ella sigue tendida, imperturbable, respira tan bajito que se puede escuchar al perezoso viento del parque. El mundo no importa, la ciudad comienza su rutina, rutina limeña, rutina vieja, podrida, autómata, fagocitaria, miles de personas atrapadas. Ella sigue en su lecho, ojalá podamos compartir uno algún día, nuevo, de los dos, caliente y acogedor, que sea cómplice de sus saltos de alegría y me permita cobijarla mientras vemos alguna película de amor, acción o misterio.

Falta un minuto. ¿Qué pasará más tarde?, ¿se pondrá contenta?, ¿dejará la nostalgia al menos por un día?, ¿se aburrirá mientras espera a un rostro que le sonría? Sus sueños ya se desvanecen y no la llevaron anoche a ese lugar donde fue muy feliz, que añora, feliz y desgraciada, tierra paisa, su niñez pasó volando, mujer nonata, inocente y culpable, querida y desechable, amada y maltratada. A la tierra del polvo blanco y la violencia, chicas hermosas, canciones habladas.

Ella se despierta, extiende sus bracitos, sin querer toca la pared, lo real es limitado, lo sueños no; extiende sus piecitos, se escapan de las sábanas, el mundo parece pequeño cuando nos alimenta el amor. Una ligera sonrisa comienza a tomar forma, mejías rosadas, hoyuelos simétricos, coquetos, pupilas de miel, pestañas desperezadas, arqueadas, ojos que dan la bienvenida. Amaneció pensando en mí, sí, en mí.

Henry Flores

2009-01-27T11:52:00.002-05:00

En octubre no hay milagros (1966)
Autor: Oswaldo Reynoso (Perú)

Novela impactante con buen manejo de la prosa, mezclada con jergas y algunas incursiones poéticas que hacen apetitosa su lectura. Reynoso logra que la podredumbre y los malos hábitos de una ciudad (Lima) y sus ciudadanos suenen a poesía, sin por ello quitarle lo sórdido e indecente, todo lo contrario, sus palabras bien escogidas, a veces caóticas, sirven para describir a la perfección el caos reinante de la sociedad que retrata, su decadencia, su mugre, sus peligros, sus injusticias. La clase pobre y la clase alta son “revisadas” paralelamente y con algunos saltos en el tiempo: la historia de Don Lucho y su familia, quien busca casa desesperadamente ante el inminente desalojo de su departamento que será demolido para construir nuevos edificios, propiedad de Don Manuel, millonario político gay y “dueño del Perú”. Obra imprescindible en la literatura peruana contemporánea.
Paul Eduardo R.

2009-01-21T13:16:00.002-05:00

COLOR DE ROSA

(Alejandro Romualdo)

Si pintaras mi país color de rosa
serías un gran pintor para ellos.

Si tus pinceles pasaran sobre mi país
con el color de los sueños
de los sueños color de rosa
si tus pinceles pasaran sobre mi país,
tranquilamente, como la brisa de la playa
de la arena color de rosa,
y pintaras los árboles y el cielo
color de rosa
y la tierra robada
color de rosa
y mi casa y mi corazón
color de rosa
serías un gran pintor para ellos.

Pero no pintes con un solo color de rosa
las llagas de mi pueblo.

Que tus pinceles pasen sobre mi país
ásperamente, como los vientos de la sierra,
de la sierra color de furia
y que pinten los árboles y el cielo
color de rabia,
y la tierra robada
color de llanto
y mi casa y mi corazón
color de fuego,
color de combate,
color de esperanza.

2009-01-12T11:43:00.003-05:00

A propósito de una nota de homenaje
TRAS LAS HUELLAS DE CONSTANTINO CARVALLO

Para hoy domingo tenía programado efectuar algunas tareas relacionadas con los proyectos en los que estoy comprometido. Algo avancé ayer, con lo cual encontré la justificación suficiente para olvidarme de mis obligaciones de hoy y entrar a Internet a investigar, una vez más, sobre Constantino Carvallo, filósofo, educador y crítico de cine entre otras títulos que, seguramente, en su modestia innata y auténtica (a tenor de quienes lo conocieron de cerca), habría rechazado por lo pomposo que pudiera parecer o sonar.

Pues bien, encontré una nota redactada en homenaje a él, por Nicolás Tarnawiecki, filósofo también, antiguo alumno de Constatino, y luego compañero de carpeta en la Universidad Católica y, finalmente, colega, en el colegio Los Reyes Rojos, que Constatino dirigió en el Barranco de Eguren.

Podría haber recurrido al fácil expediente de adjuntar la nota o dar la dirección electrónica para que los interesados entraran y leyeran el texto muy sentido que el autor dedica hacia el amigo ausente, y escribir sobre algún tema de actualidad pero, tratándose de un artículo sobre Constantino, el amigo que no conocí, prefiero utilizar mis palabras para dar cuenta, a través del comentario de la referida nota, de algunos hechos que contribuyen a enriquecer la imagen del hombre bueno y justo que fue Constantino Carvallo.

Está pendiente aún la nota que me he propuesto escribir abarcando no sólo la trayectoria de Constantino como educador, sino también la del crítico de cine que destilaba pasión por las películas y erudición. Reitero, esa nota está pendiente y estoy documentando mis archivos para hacerla con el conocimiento debido y, claro está, con el afecto creciente por una persona que dedicó su vida a moldear –con respeto y amor- aquella materia sensible y delicada como es la niñez y la juventud. Su libro El Diario Educar es absolutamente revelador de ese noble quehacer.

Lamento, sí, que la nota de Tarnawiecki: La Despedida de un Maestro: Constantino Carvallo, no esté bien escrita. Fue incluida en .edu, publicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú y, se aprecia con meridiana claridad que allí faltó un editor, Sin duda, la nota transmite afecto, gratitud y emoción y, en honor a ello, es digna de ser tomada en cuenta, pero, como debe ocurrir con todo material destinado a la imprenta, debió ser revisado y corregido. No pretenderé en este texto señalar los errores, porque no quiero extenderme en una nota que, por lo demás, se plantea un objetivo distinto. Rescato, entonces, algunos aspectos y anécdotas que allí aparecen.

Cuenta Tarnawiecki de las asambleas que se desarrollaban en Los Reyes Rojos en las que estaban presentes desde los más pequeños hasta los mayores. Sin duda, y eso lo documenta bien Constantino en su libro, una de sus grandes preocupaciones fue la integración. Allí, en su colegio, el blanco y el negro, el bajo y el alto, el creyente y el no creyente, el rico y el pobre, tuvieron su espacio, tuvieron voz, tuvieron afecto. Me habría gustado que Tarnawiecki hubiera profundizado en la naturaleza de esas asambleas, pero prefiere cambiar de tema y contar aquella anécdota en la cual Constantino interpelaba, de manera ‘sui-generis’, a los alumnos que iban a pasar de la primaria a la secundaria, como cuando le tocó evaluar a los más ‘chancones’ pidiéndoles que bailaran una lambada para ver cómo enfrentaban tal desafío. Sonrío en este momento porque habiendo sido yo un ‘chancón’, maldita la gracia que me habría hecho rendir tal prueba. Constatino poseía una mentalidad que estaba más allá de las ortodoxias y formalismos mutiladores de la educación tradicional.
Y cómo no mencionar ese párrafo del texto de Tarnawiecki donde habla de aquellos gustos y preferencias musicales que yo al compartirlas, al saber que también son las mías, me alegra y emociona porque esa música que disfruto cada día, los libros en los que me sumerjo cada noche o las películas por las que me apasiono, se convierten ahora, además, en una suerte de recuerdo y homenaje particular y permanente a este hombre sabio, al maestro que nunca abandonó su hermosa tarea de educar. Recuerda, pues, Tarnawiecki “el equipo de sonido de su camioneta donde escuché por primera vez a Bob Dylan, Leonard Cohen, y a Lou Reed cantar “Walk on the Wild Side”; una vez que nos invitó a su casa en Chorrillos, donde pensé: “Además de estante de libros, tiene estante de discos”. En retrospectiva diría que le agradezco, no tanto la música que nos mostró, los libros que nos hizo leer o su fascinación por el cine, sino las ganas que nos transmitió de disfrutar de estas cosas.”

Luego de contar otras reconfortantes experiencias que vivió al compartir carpeta con Constantino en la Universidad Católica, Tarnawiecki concluye su nota expresando su gratitud por enseñarle a pensar en sí mismo y en el hombre y a amar la vida. Lástima, a Constantino la vida se le acabó muy pronto, apenas a los cincuenta y cinco años, pero, sus textos, su historia, su entrañable historia sembrada de anécdotas en las que se entremezcla el humor y la amabilidad, la tolerancia y la ternura, contada por aquellos que lo conocieron o que trabajaron en su entorno, revelan al hombre bueno, sensible y generoso que fue. Que Constantino siga viviendo en el corazón de quienes deseamos un mundo más solidario y más justo.
Rogelio Llanos

2008-12-29T11:42:00.002-05:00

BAUHAUS

GO AWAY WHITE

La vuelta de Bauhaus al estudio 25 años después de “Burning from the Inside” podría interpretarse como un renacimiento del goth rock justo cuando la última encarnación posible del género parece dispuesta a clonarse una y otra vez a partir del mapa genético que trazaron NIN, Marylyn Manson y Korn en los ´90. La primera mitad de “Go Away White” despeja cualquier especulación al respecto. En su anunciada despedida como banda, Murphy-Ash-Haskins-J lejos de buscar repetir la fórmula se decantan con las composiciones más rockeras que jamás hayan concebido. Lo que escuchamos son intrépidas guitarras, líneas de bajo machacante, percusión hipnótica y la voz de Murphy que sin llegar a ser gutural se muestra en su versión más áspera. Todo grabado en una sola toma. Si no fuera por el teclado que atravieza “Undone” como un espectro digno de Joy Division tendríamos pocos indicios para reconocer a sus autores. Con “Endless Summer of the Dammed” comienza el decenso a las profundidades que los Bauhaus solían frecuentar en su primera época y de ahí hasta el final sólo saldrán a la superficie para recuperar oxígeno con “Black Stone Heart”, el resto será minimalismo y tinieblas de las que aseguran no han de regresar jamás.
JORGE CAÑADA

2008-12-13T11:45:00.003-05:00

GRAND ARCHIVES
The Grand Archives
Sub Pop
Al escuchar los poco más de tres minutos de “Torn Blue Foam Couch” uno podría caer en la tentación de creer que está ante una superlativa banda tributo de CSN&Y. A falta de cuatro, cinco voces armonizan en el límite justo de la tolerancia para un diabético. La siguiente hipótesis es que una nueva superbanda se ha formado. Cansado de intentar emular en solitario sus épocas de gloria junto a Paul Simon, Art Garfunkel parece haberse sumado a los héroes de “Ohio”. El inicio de “Miniature Birds” nos desorienta por su inequívoca remisión a “The Continuing Story of Bungalow Bill” (aunque desprovista del barniz psicodélico de la joya del “Álbum Blanco”) pero luego nos devuelve a la primera sospecha. Pasarán también “Swan Matches” e “Index moon” y si bien no lograrán despejar nuestra duda comienzan a darnos alguna certezas. Grand Archives, reclama herencia y honores en un mismo acto. Mat Brooke exhibe sus credenciales (Carissa´s Wierd y Band of Horses), no reniega de sus claras influencias con epicentro en la Costa Oeste (The Mamas & The Papas y Beach Boys también tienen aquí un merecido homenaje) y a la vez juega todas sus cartas de triunfo apostando sin guardarse nada, con pura convicción y sin efectismos. Una gloria más para Seattle, que esta vez muestra la contracara de la densidad grunge de los ’90. Melodías cristalinas y baladas aderezadas con una instrumentación sobria pero bien dotada que en dosis precisas realza el buen sabor de las composiciones (harmónica y peddal steel guitar lucen en “George Kamisnki”). A partir de “Brezy No Brezy” parece enrarecerse la atmosfera. Una pausa instrumental, suerte de aleación dub con resonancias balcánicas abre un paréntesis que se cierra con “The Crime Window”, enérgico cántico cuasi-futbolero, tan deudor de The Clash como de Manic Street Preaches o Arcade Fire ya más cerca en el tiempo. Pero “Orange Juice” rápidamente nos devuelve al remanso al que ya nos habíamos acostumbrado y una vez más agradecemos que Grand Archives haga honor a su nombre, desempolve ese sonido tan caro a nuestros sentidos y rescate el legado de sus maestros.
JORGE CAÑADA B.

Grand Archives - Miniature Birds

2008-12-10T11:29:00.005-05:00

KINGS OF LEON
Only By The Night

Hay pocas bandas que no temen correr riesgos cuando cambian su sonido con el cual se embolsaron a miles de admiradores o a la crítica del momento. Estamos ante una de ellas. Los Kings aparecieron en el 2003 con Youth & Young Manhood y fueron reconocidos como los precoces abanderados del rock sureño a lo Lynyrd Skynyrd o The Allman Brothers. Muy bien recibidos, sobre todo en Europa. El segundo disco Aha Shake Heartbreak (2004) también fue sureño, aunque más agresivo y trajinado. Para el siguiente, Because of The Times (2007), nos sorprendieron batiendo sus raíces con el britpop clásico. En esta cuarta entrega el viraje hacia el viejo continente ha sido mucho mayor, y lo poco de norteamericano que se percibe es de influencia neoyorquina (“I Want You”). No quedan rastros de aquellas sinuosas y urgentes canciones marcadas a fuego por algún cowboy. Ahora hay arreglos tipo U2 (“Closer”, “Notion”), algunos riffs zepellinianos (“Crawl”), acompañamientos vocales (“Reverly”) una voz líder más limpia, mejor trabajada (“Sex On Fire”) y por momentos menos expresiva (“Be Somebody”). Comparado con sus anteriores trabajos, Only By The Night es menos enérgico, más atrevido, menos orgánico, con más arreglos, de digestión lenta para antiguos fans, de singles sabrosos para nuevos adeptos. A pesar de ser el que menos me gusta, le reconozco su mayor mérito: no suena forzado. Estas nuevas canciones, nuevos ritmos, nuevos estilos fluyen con el buen oficio y la confianza propias de aquellos que están convencidas de que son dueños de su propio destino.
Henry Flores

Kings Of Leon-Sex on Fire(live)

2008-12-02T12:24:00.003-05:00

MUDHONEY
The Lucky Ones
Sub Pop
Los pioneros del grunge ya tienen veinte años como banda. La mejor manera de celebrarlo ha sido reeditando su fundamental debut Superfuzz Bigmuff (1988) en una versión de lujo, y sacando otro disco con nuevos temas, de este último nos vamos a ocupar. En comparación con sus anteriores trabajos Since We've Become Translucent y Under a Billion Suns, esta nueva entrega reboza de momentos frenéticos y distorsionados que nos remiten a su etapa más salvaje y primigenia, con sus efectos fuzz y muff casi al tope. “Tales of Terror”, “I’m Now”, o “New Meaning” son un viaje directo, sin permiso y a empujones, al tiempo de las camisas de cuadros y botas Dr. Martens. Y las canciones más producidas como “The Lucky Ones” o “And The Shimmering Light” aportan el equilibrio necesario para que estos veteranos no suenen desfasados ni muy amateurs. Veinte años no han sido suficientes para doblegar el espíritu punk y loser de esta banda que es el orgullo de Seattle y la Sub Pop. Los verdaderos héroes del grunge.
Henry Flores

Mudhoney-"The Lucky Ones"

2008-11-26T12:54:00.006-05:00

Sergio Galarza – Paseador de perros (2008)
ESCLAVO DE LOS CUATRO PATAS
Galarza se dio a conocer a los veinte años con “Matacabros” (1996), un libro pequeño de relatos urbanos violentos que le trajo buena reputación y lo convirtió en la sensación literaria del momento. Han pasado doce años desde aquel debut, tres libros más de cuentos, un reportaje novelado sobre los Rolling Stones, hasta llegar a “Paseador de Perros”, su primera novela.

“Paseador…” trata sobre un inmigrante peruano que se gana la vida cuidando a un mapache y paseando perros por las calles de Madrid. Él acepta este trabajo porque es el único en el cual no le piden papeles y necesita pagar techo y comida, como bonus, le permite conocer más a fondo a la ciudad que lo ha adoptado. Mientras su vida transcurre entre recoger el excremento de sus amos de cuatro patas y viajar muchas horas en el metro, se va enterando, muy a su pesar, de la vida privada de sus clientes, a veces por curiosidad y en otras porque son personas solas que quieren que las escuchen y les respondan algo más que monótonos ladridos. Así, vemos desfilar personajes como el anciano mutilado que agoniza de diabetes y que con mucho esfuerzo le pide que cuide a sus perros, el viejo gruñón cuyo hijo lo ha abandonado dejándole un mapache que él detesta, o aquella chica desfigurada por el acné que no se atreve a salir a las calles ni para pasear a su mascota. Respecto a su vida privada, el protagonista nos cuenta en primera persona sus problemas con la novia, sus resentimientos y frustraciones por no lograr lo que se propuso cuando salió de Lima, y sobre todo, nos va retratando (el mayor aporte de esta novela) al Madrid sin maquillaje publicitario, atestado de inmigrantes que no aprecian la impronta cultural de la ciudad, de sus veranos fantasmales y con temperaturas insoportables, de sus calles y parques llenos de mierda de animales, con su transporte urbano caótico y mal ventilado, bello y desenfrenado para el turista, peligroso e indiferente para el inmigrante.

A pesar de que sus posteriores trabajos a “Matacabros” no despertaron el mismo entusiasmo, Galarza han sabido mantener el desenfado y la crudeza que lo caracteriza. También, destacamos aquí un avance cualitativo en sus lados reflexivo e irónico, los cuales le dan buena sazón a esta cuasi autobiografía. En cuanto a la obra vista en su conjunto, como un todo, una unidad, la novela está dividida en treinta y siete capítulos cortos, algunos de ellos independientes, con vida propia, como un disco compilatorio de singles, y no un álbum conceptual, o en el mejor de los casos como un álbum de canciones diversas que contiene algunas suites. Uno tiene la sensación de estar ante un libro de relatos breves y ese es su punto débil: a Galarza le cuesta trabajo desprenderse del formato cuento. “Paseador de Perros” es como un diario, y no la novela ambiciosa, compleja y mejor estructurada que seguimos esperando de él.

HENRY FLORES

2008-11-21T12:24:00.005-05:00

DOLORES DELIRIO / Plástico Divino

Si antes nos costó mucho trabajo asimilar la muerte prematura del guitarrista Jeffry Parra, y por ende el de la mejor encarnación de Dolores Delirio, ¿cómo se supone que nos acostumbremos a la ausencia del cantante Brenneisen? Los de ahora, con Luis Sanguinetti en la voz, ¿siguen siendo Dolores? Ni siquiera los miembros fundadores, Vásquez e Inoñan, son suficientes para vendernos la imagen de esta entrañable banda de culto. Por eso, hablaremos de este disco suponiendo que es el debut de un grupo con ex integrantes de Dolores Delirio, y no por nostalgia, sino por respeto a los pasados gloriosos.

“Fetiches & Webcam”, con su fuerza apoyada en la voz y la base rítmica, logra llamar la atención, ellos han venido para quedarse, revolotear y darle interés a la movida local. “Metrópoli” es uno de sus mejores temas, los riffs, “electrónicos” e intermitentes, matizan el registro vocal de Sanguinetti, quién canta con seguridad versos de buena factura como: “me siento tan bien, y me vuelvo de aluminio, hoy mi corazón es de un plástico divino. El cielo en su castigo me ha olvidado, te veo al otro lado de mi molino de vidrio”. En la mayoría de las canciones los loops percusivos y las cuerdas distorsionadas hacen de las suyas, se hilvanan con fuerza para coser prendas musicales a la medida de lo que se espera de estos músicos de éxito y larga trayectoria. El guitarrista Anchante se despacha a su gusto en “Ángel de Polvo”, “Jardín de estatuas” o “Histeria”, saturando sus acordes con chorus, echoes, delays, overdrives y demás pastas. El sólido bunker rítmico creado por Inoñan y Vásquez no conoce la erosión del tiempo. En la balada “(Ultramar) Azul”, se puede apreciar mejor la voz de Luis: no es desgarradora cuando debe serlo, pero lo compensa desenvolviéndose con soltura en los tonos bajos, creando un efecto susurrante cuando la letra lo pide. Y para terminar, recordando que se hacen llamar Dolores Delirio, viene a mi mente una frase del venerado Cero (1995): “Observa a estos niños bañados en barro”. Ahora, ya no somos solo tú y yo.
NOEL MIRÓ QUESADA

INYECTORES / Viaje al centro del olvido

Sería mezquino no reconocer el prestigio bien ganado de este potente y carismático cuarteto. Con sus dos álbumes anteriores, registraron e impusieron su marca: canciones bien cantadas de hardcore y punk melódicos, con letras reflexivas, urgentes y positivas. Cuatro años después, se apropian del hardcore visceral de G3 -desparecido y mítico cuarteto que entre sus miembros figuraban dos Inyectores: Farfán y Bellido- para irrumpir desde el inicio con bólidos como “Alarmas”, para denunciar malditas ideologías del terror y la destrucción en “El ciclo del terror”, o para hacernos poguear hasta con las almohadas (súbanle el volumen a “El Camino”). Pero, ¿qué los diferencia de aquella anterior banda? Pues, ahora Gonzalo Farfán es un cantante más cuajado, y las voces logran con éxito imponer su melodía sobre las guitarras y los platillos que martillean sin piedad. Además, los Inyectores siguen atentos no solo a los problemas existenciales, también a la realidad coyuntural del país, por ejemplo, en “La Respuesta” cuestionan las decisiones de los gobernantes y se interrogan hacia dónde vamos como nación y quién solucionará nuestros problemas como la corrupción y la impunidad. Y para aquellos devotos de Bombardero (2001) y Última Parada (2003), las melódicas “Sueños de la realidad”, “Días Oscuros” o “Mañanas”, evitan que el cambio de estilo sea traumático, pero, seamos sinceros, en aquellos discos era difícil saltearse las canciones, aquí por lo menos hay unos tres temas para el olvido. Ojalá que el siguiente álbum no se haga esperar tanto.
HENRY FLORES

2008-11-15T14:51:00.007-05:00

R.E.M. EN LIMA (Estadio Nacional, 14 noviembre)
HEY, BABY. ARE YOU HAVING FUN?

Miles de celulares encendidos, miles de maneras de reaccionar y miles de voces amalgamadas por una melodía, por una canción, por un trío llamado R.E.M. Solo un tema como “Everybody Hurts” podía unir a los peruanos en el estadio Nacional, aparte de nuestro patético y ojalá desafiliado fútbol peruano. Estábamos a mitad del concierto cuando sonó aquel hipnótico y tierno piano que inaugura esta oda a la superación del sufrimiento. Hasta antes de “Everybody …”, los fans y conocedores de esta banda de Athens, ya estaban chupándose los dedos, degustando suculentos platos como “I Took Your Name” y “What’s the Frequency, Kenneth?”, piezas furiosas sacadas del Monster, o con “Drive” e “Ignoreland”, obras maestras del Automatic For The People, o los estrenos de “Living Well is the Best Revenge” y “Man-Sized Wreath” del Accelerate(2008). Faltaba darle el gusto a los que fueron por curiosidad, a los que oyeron solo los hits en la radio o la MTV, y a los inevitables poseros que solo están a la espera de “Shiny Happy People” (tema que R.E.M. hace tiempo no toca en vivo y por el cual sienten algo de vergüenza). “Everybody Hurts” y más adelante “Losing My Religion” hicieron el milagro, mismo San Martincito, de juntar a perros, pericotes y gatos.
La respuesta del público superó todas las expectativas. Los peruanos de a poco nos estamos acostumbrando a disfrutar de conciertos anglosajones de éxito mundial. Los aplausos, vítores y saltos no decayeron, sobre todo con la gente que estaba en campo y con cientos de fans, cómodamente ubicados en las graderías, que no quisieron sentarse durante las dos horas del show. El resto respondió muy bien con sus aplausos efusivos. Era imposible no reaccionar favorablemente cuando Stipe, Mills y Buck nos administraban ritmos antidepresivos como los de “The One I Love”, “Orange Crush” (grande Mike Mills en la segunda voz) o “It’s the End of the World..”. Personalmente, me sentí un privilegiado al saberme parte de una minoría melómana que podía identificar y conmoverse con aquella extraña y hermosa versión acústica de “Let Me In”, o comprobar que aquel lejano single de mediados de los ochentas llamado “Fall On Me” sonó con el mismo espíritu fresco e independiente de aquellos años.

El paso del tiempo no podrá borrar muchos de los videos y fotos que hemos capturado, desde distintos ángulos y a diferentes píxeles, con las “cámaras” de nuestras mentes. Uno de mis favoritos es aquel baile hipnótico de Michael Stipe mientras la guitarra furiosa de Peter Buck saturaba como los dioses en “She Just Wants To Be Me”, penúltima canción y perfecta bienvenida para el final. “Man On The Moon”, como en toda la gira sudamericana, sirvió de colofón a una noche inolvidable en la cual Lima adquirió por primera vez un privilegio del que nunca había gozado: el de acoger y disfrutar de una de las bandas más grandes, vigentes y representativas de lo que se llegó a conocer como “rock alternativo”. “¡Hey!, ¿se están divirtiendo?”. ¡Por supuesto! Felices y radiantes.
HENRY FLORES

"Losing my Religion"

2008-11-12T12:09:00.004-05:00

EN ESPERA DE R.E.M
AL ENCUENTRO DEL RÍO

Sonidos cristalinos y melancólicos. Una guitarra acústica, inspirada, sensible nos hace escuchar sus primeras notas. Peter Buck, movedizo y saltarín, de la estirpe del viejo Pete Towshend, luce silencioso y concentrado en su instrumento en las imágenes promocionales del inspirado "Find The River", (vídeo que aparece en el discutible Parallel), canción que cierra el hermoso Automatic for the People, disco esencial e indispensable de R.E.M.

"Find the River" es el surco final, y a él llegamos casi en estado de gracia. Allí, aún con los tímpanos vibrando con los sonidos de la intimista Nightswimming, descubrimos una melodía que las cuerdas construyen delicadamente conduciendo sin dilación alguna su mensaje sonoro hacia el corazón. Directamente hacia la fibra sensible de nuestra naturaleza melómana.

Las notas del teclado, tiernas y sentimentales, como los sonidos de un violín, se insinúan sobre las cuerdas y nos fascinan, nos inmovilizan. Es la gran finale de un tour mágico y espléndido que se inicia en Drive, y pasa por hitos inolvidables como "Everybody Hurts", "Star me Kitten", "Man on the Moon", "Nightswimming" y ese desborde emocionante de energía e inconformismo que es "Ignoreland".

¿Qué caminos de sabiduría y ternura o experiencia e ilusión recorrió Mike Mills antes de deslizar con precisión sus manos por ese tablero blanco y negro de armonías y melodías?
La emoción se acumula violentamente en nuestro corazón, cuando la voz grave y lenta de Michael Stipe, como un susurro, llama, convoca: Hey now, little speedyhead…. Sugerente y firme la voz nos invita a salir del encierro, a ver el mundo, duro y desafiante. No hay más alternativa, hay que continuar con la aventura del diario vivir. La voz clara, hermosa, de Stipe, entonces, se eleva y afirma: vivir sí, pero también hay que buscar. Sin desánimo, que no se está solo en el camino (Everybody Hurts) Sí, buscar el camino, en medio de la tormenta, aprendiendo de lo que otros vivieron, memorizando el sendero. La vida que discurre ante los ojos, no tiene que ser la nuestra. Hay un río que espera por nosotros. Y nadie tiene que decirnos a dónde hay que dirigir nuestros pasos (Drive). Autenticidad, audacia y transgresión sin perder jamás el humor y la ironía (Eh, Andy, ¿Are you having fun?, Man on The Moon).

Los teclados instalan una vez más la nostalgia reiterando la melodía inicial. El corazón se agita, se conmueve. Entrañable momento de epifanía. Verdad, belleza. Es la música de R.E.M. Una banda re-descubierta disco a disco, aunque siempre estuvo allí. Tan cerca y tan lejos de nosotros. Banda talentosa hasta lo entrañable. De los espacios agrestes del rock duro a los predios aparentemente amables de la balada crepuscular, donde convive una rara y fascinante mezcla de belleza con amargura, de exaltación con melancolía.

Y aquí, en Find The River, Mike Stipe, sensible y sutil, nos habla de la finitud del ser humano, del tiempo que corre hacia nuestro encuentro ( The ocean is the river's goal, / A need to leave the water knows /We're closer now than light years to go). Llegar al río, ser el río mismo. Confundirse con él como en el hermoso poema de Javier Heraud. Y viajar entre aromas esenciales (Bergamot and vetiver / Run through my head and fall away) furioso o apacible o silencioso, sintiendo el calor del mediodía, escuchando el canto de los árboles, deleitándose con el viento rumoroso.

Las voces que se elevan, el piano que remarca los versos. The river to the ocean goes. Sí, el río que va al mar. Ese ritual sencillo e inevitable que la naturaleza dispone; el encuentro de nuestras aguas con el mar, para fundirnos en él. La hora en que el poeta silenciará su canto luminoso y ya no verá más sus árboles verdes, su viento cercano, su sol, sus nubes. Pero, ánimo, vendrán otros, ríos pequeños o ríos caudalosos, con sus voces, con su canto. Tal es el devenir de la existencia (All of this is coming your way). Y la voz de Stipe en suspenso, mientras el sonido de los teclados se desvanece en el infinito.
Rogelio Llanos
video de "Find the River"

2008-11-08T14:31:00.003-05:00

THE BAND - MUSIC FROM BIG PINK (1968)
A cuarenta años del renacimiento de las raíces musicales norteamericanas
Son pocas las bandas que consiguen asimilar sus influencias musicales, procesarlas, amalgamarlas, dotarlas con su personalidad y producir un estilo propio, que nunca antes se ha escuchado, pero, que al mismo tiempo uno puede reconocer de dónde viene, sus orígenes. Una de esas bandas privilegiadas fue The Band.

A mediados de 1968, en plena época de los hippies, las experimentaciones lisérgicas y la Guerra de Vietnam, ve la luz “Music From Brig Pink”, su enigmática ópera prima, muy bien recibida por la crítica y más tarde por el público. La música sicodélica y las influencias del rock de la primera invasión Británica, fueron tomados por sorpresa ante este sonido nunca antes escuchado, amén de una mezcla sólida de blues, gospel, soul, R&B, country-folk y rock n’ roll, en la que cinco seres individuales confabulaban para crear un sonido colectivo y de buena base, no simples mezclas, sino un híbrido fuerte y contundente.

Son once canciones en las que se reparten las autorías Robbie Robertson (guitarra) y Richard Manuel (piano y voz), con algunas colaboraciones de Rick Danko (bajo y voz) y Bob Dylan (coautor de dos canciones y autor de una). El clásico “The Weight” cantado por Levon Helm (batería y voz) es un ejemplo del buen trabajo en conjunto, tanto en el juego de voces como en la coordinación de los instrumentos. Muchas de las canciones exhiben con premeditación arreglos caóticos y desaliñados, para darle la impronta rural y campesina que buscaban, pero, se muestran muy compactas y completas, y se debe en gran parte al buen trabajo de Garth Hudson (teclados y vientos) cuyo sonido envolvente servía como adhesivo para unir los diferentes retazos sonoros de distintas influencias que se sucedían en el estudio.
La voz herida y sufriente de Manuel es otro punto a favor. Sin ella “Tears of Rage” no sería desgarradora, “Lonesome Suzie”, suplicante; y gracias a su falsete y al apoyo en los coros de Helm y Danko, “I Shall Be Reased” no hubiera llegado a niveles celestiales. Las fuerzas subversivas de “Chest Fever” y “This Wheel’s On Fire” dan el equilibrio a un álbum que desde su concepción fue en contracorriente a su época. Un álbum que tiene la capacidad de influir o subvertir las distintas formas de expresarse de aquel que le presta atención. Eric Clapton y George Harrison fueron dos de sus víctimas más conocidas. A cuarenta años de su lanzamiento, “Music From Big Pink” conserva su espíritu rebelde y rural, y sobre todo, en esta actual década dónde la mayor parte de la música se basa en reciclajes formulistas y efímeros éxitos de baja fidelidad, sigue siendo más contracorriente que nunca.
LUIS MADUEÑO

The Weight

2008-10-17T13:34:00.004-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires (15 de octubre)

STONE TEMPLE PILOTS EN EL PEPSI MUSIC
ELEGANCIA Y GENEROSIDAD No importaba que fuera día de semana (miércoles), que hubiera fútbol internacional, o que faltaran atractivas bandas teloneras. Los más de veinte mil asistentes solo estábamos por una razón de tres palabras: Stone Temple Pilots.

Weiland, los hermanos De Leo y Eric, vestidos de saco y corbata, muy elegantes, ofrecieron un show de éxitos que corrobora la trascendencia e influencia que los años venideros han confirmado a sus canciones. La mayoría especulaba que las potentes “Down”, “Dead and Bloated” u otra similar servirían como el arranque demoledor al que nos estábamos preparando para saltar y pegarnos con todo.

Se apagan las luces, sale humo, aparecen los cuatro, comienzan unos acordes limpios y disonantes, era la oscura y calmada “Big Empty”, igual el público no podía estar quieto, en los coros la gente erupcionó como volcán, y el magma no paró de emanar hasta la última canción, saliendo de las entrañas de un concierto que recorrió caminos asfaltados como “Lady Picture Show”, “Sour Girl” y “Creep”, o trochas como “Crackerman”, “Sex Type Thing” y “ Down”.

El coro de “Plush” debe haberse escuchado desde Núñez hasta La Boca, y los saltos desbocados con las finales “Dead and Bloated” y “Trippin’ in a Hole in a Paper Heart” remecieron más que los piqueteros. Los Pilots fueron la razón principal por la que asistí al Pepsi Music. Por fin pude verlos sin tener que mirar el póster de mi cuarto o el librito del disco, escucharlos y cantar con ellos. Cumplí otro sueño postergado desde la adolescencia. Una buena razón para seguir celebrando la vida.

HENRY FLORES

2008-10-17T13:25:00.004-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina(11 de octubre)
MÖTLEY CRÜE EN EL PEPSI MUSIC
DILUVIO DE HITS La noche metal del festival tuvo de todo: tipos con maquillajes y polos de sus bandas favoritas, chicas lindas que exhibían todo su glamur, buenos escenarios, buenas bandas, buena música, y hasta una lluvia torrencial.

Mötley Crüe retrasó su salida debido a la lluvia. A los veinte minutos de cesar las emanaciones de agua, salieron con todo, a retomar su reinado con “Kickstart My Heart”. Todos creímos que el concierto a partir de este momento, consistiría en cantar, saltar y vitorear. Nos equivocamos. Continuaron con “Wild Side”, el público era una fiesta, luego vino “Shout at The Devil”, y el cielo no pudo resistirse a participar de la fiesta. Comenzaron de nuevo los tiempos del arca de Noé y paró muchas horas después de terminada la velada.

Los baldazos de agua incrementaron la diversión. No importaban las medias, los calzoncillos, los pantalones y los polos. Todos mojados como si nos hubiéramos arrojado a una piscina. El carisma y la generosidad de esta banda, que hizo del hard rock y los excesos un estilo de vida, eran suficientes para hacernos danzar como apaches bajo la lluvia. Las pegadizas "Same Ol’ Situation", "Girls, Girls, Girls", o el super hit "Dr. Feelgood” sonaron casi igual a como fueron engendradas; como si Vince Neil, Tommy Lee, Mick Mars y Nikki Sixx aún fueran los jovencitos de hace treinta años. Fue su primer concierto en Argentina, saborearon la pasión del fan gaucho, y les creímos cuando prometieron volver lo antes posible.

HENRY FLORES

2008-10-09T12:46:00.007-05:00

EN EL COMERCIO
El Comercio, el diario más importante del Perú, en su edición de hoy jueves 9 de octubre, ha publicado una colaboración mía sobre el PEPSI MUSIC 208 que se viene realizando en Buenos Aires, Argentina.

A continuación, el texto publicado:

Días de primavera y rock and roll
El festival Pepsi Music que se realiza en Buenos Aires --con sus nueve días dedicados al rock internacional y argentino-- es uno de los eventos musicales más importantes de Sudamérica.

EL CONCIERTO empezó hace más de una hora. De la parte superior del escenario se despliega hacia abajo una pantalla gigante que cubre a los músicos. No se ve ninguna imagen, solo un efecto de estática, como un televisor sin señal. Suena la batería, y en cualquier parte del ecran comienzan a formarse pequeños agujeros negros sincronizados con la voz de Trent Reznor, el alma creativa de la banda Nine Inch Nails.

Así se cerró la cuarta noche (2 de octubre) del Pepsi Music 2008, con un espectáculo engendrado en el "más allá".

Este festival, como cada año, reúne durante dos semanas a varios consagrados del rock anglosajón con los mejores exponentes gauchos. Buenos Aires es una ciudad que, a pesar de sus líos económicos, jamás deja de consumir música. Un artículo publicado en el diario bonaerense "La Primera" da cuenta de que los argentinos gastan en recitales un mayor porcentaje de su sueldo que ingleses, españoles y norteamericanos. Los números de esta actividad lo corroboran: al término de la séptima fecha ya se contabiliza un acumulado de más de 110 mil asistentes, con tickets que varían entre los 60 y 100 pesos por noche.

Los billetes se me escurren mientras recorro los diversos puestos en busca del polo de recuerdo o el disco de oferta. De los platos fuertes rockeros, ya probé la parafernalia de NIN, el jazz-rock de Dave Matthews Band, el desprolijo de BRMC, los filosos riffs de The Cult, la versatilidad de Fito Páez y el carisma de Calamaro. Esta semana me empacharé con Mötley Crüe y los Stone Temple Pilots.

-Che, ¡viste qué zarpado estuvo lo de Nine Inch Nails!
-No te entiendo, chochera, ¿qué significa 'zarpado'?

HENRY FLORES R.

http://www.elcomercio.com.pe/edicionimpresa/Html/2008-10-09/dias-primavera-y-rock-and-roll.html

2008-10-06T15:16:00.005-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-5 de octubre de 2008
ANDRÉS CLAMARO en el PEPSI MUSIC

PUDO SER MEJOR
Esto fue lo que dijo la Rock & Pop:

“Por donde se lo mire, el show de Andrés Calamaro esta noche en El Club Ciudad de Buenos Aires fue impecable. La nueva versión del Salmón es más que recomendable. Con el claro objetivo de sólo preocuparse por cantar y pasarla bien, se olvidó de tocar y, en consecuencia, armó una banda muy roquera, con tres filosas guitarras y un sonido demoledor.

En la noche más concurrida, la multitud tuvo todo lo que vino a buscar. De buen humor y con mucha energía, Andrés administró muy bien sus canciones más festejadas. No obstante, arrancó con El Salmón. Automáticamente, por el gran revuelo que se produjo, parte de las instalaciones del Ciudad pasaron a mejor vida. A esa altura, la celebración se volvía ineludible. Mi gin tonic se amplificaba por el sistema se sonido, cuando el cantante iniciaba su primer viaje por las pasarelas. En su regreso a los escenarios nacionales, se dedicó a potenciar su lado frontman, muy atrayente por cierto, para dejar de lado su costado musical. Agitó, saludó y hasta se animó a solicitar un impuestazo para la soja. Así de intratable estuvo Calamaro en esta edición del Pepsi Music. También hubo espacio para algunos gustitos personales. Entonces, con un mate en la mano presentó a su nueva –vieja banda. Como suele ser habitual en estos casos, cada músico hizo su correspondiente solo y la zapada se convirtió en uno de los momentos más lúcidos de la fecha.

Cuando Calamaro rompió la ronda matera, Estadio Azteca y Te quiero Igual retomaron el clima. En esos momentos, las casi 40 mil almas presentes querían seguir bien arriba. Y así fue. Antes del final, una veloz versión de Corte de Huracán sacudió casi por última vez. Tras la falsa despedida, sólo hubo lugar para Sin Documentos, Canal 69 y Paloma. Andrés Calamaro regresó para quedarse. Su renovada actitud dará que hablar. Esta noche, no se guardó nada y derramó su talento sin prejuicios ni ataduras. Explotando su costado más frenético, El Salmón remató un fin de semana singular, sin fisuras organizativas y con cierres de excelente calidad”.

Reseña algo exagerada para mi gusto. El show de Andrés me gustó pero no me impresionó, me quedo con algunos dejá vu con “Flaca” o “Loco”. La versión de “Soy tuyo” es raquítica en comparación con la del disco. Un concierto cumplidor, pero no tan bueno. Definitivamente Calamaro es para escucharlo en tu equipo de sonido, en la tranquilidad de tu casa.

HENRY FLORES

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2008-10-06T14:09:00.005-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-4 de octubre de 2008
THE CULT en el PEPSI MUSIC

EL HARD ROCK QUE NUNCA MUERE

Hablar del show ofrecido por The Cult, es sinónimo de buen vino, mientras más viejo, mucho mejor. Hasta ahora resuenan en mis oídos los riffs gloriosos que un Billy Duffy inspiradísimo le sacaba a su Les Paul, con una naturalidad y pasión que asegura la eternidad del rock n’ roll. Ian Astbury demostró que sus cuerdas vocales aún pueden guerrear como en sus años mozos, más templadas que nunca.

Los quince mil asistentes no pararon nunca de saltar y cantar. Era imposible detenerse, así no conocieras todos los temas de The Cult, los riffs de Duffy te llevaban a su antojo por donde querían. Este cuarteto inglés ha sabido mantener la frescura de sus temas más populares como: "Nirvana", "Lil’ Devil", "Sweet Soul Sister", "Love Removal Machine", "She Sells Sanctuary", “The Witch”, “Fire Woman”…la lista es interminable. Su cuarta vez en Argentina, ya son locales, son ruidosos, son frescos, y sobre todo potentes.

HENRY FLORES

2008-10-05T14:43:00.007-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-3 de octubre de 2008
DAVE MATTHEWS BAND en el PEPSI MUSIC

ROCK, FUNKY, JAZZ Y MUCHO CARISMA

Si bien la noche anterior NIN cerró espectacularmente, la Dave Matthews Band tampoco se iba a quedar atrás. ¡Qué talento de músicos!, impecables, cada uno en lo suyo. El carismático baterista Carter Beauford se despachó a su gusto con varios solos y coqueteos con el nuevo saxofonista (Jeff Coffin) o con el virtuoso Tim Reynolds (en muchos momentos su guitarra sonó estremecedora, flotante, como un viaje al espacio o hacia el fondo del mar). Stefan Lessard dio cátedra de slapping, Boyd Tinsley le sacó notas preciosas a su inseparable violín, y la buena interpretación vocal de Dave Matthews fue fresca y potente. A pesar de estar enojado al principio por un corte de energía eléctrica, Dave volvió a reír y de ahí no paró nunca, dándole la mano al público, pelando los dientes y haciendo muecas.

El comienzo con “So Much To Say” hizo que el Club de Buenos Aires se viniera abajo, la única forma de sobrevivir en medio del publico era saltando más que los que estaban a mi alrededor, igual sucedió con “Ants Marching”. “Satellite” y “You night die trying” sirvieron como homenaje al fallecido Leroi Moor. El mejor cierre de lo que va de este festival fue con una soberbia interpretación del “All Along The Watchtower” de Dylan. No todas las noches se disfruta de un concierto, y a la vez se reciben clases de música.

HENRY FLORES

2008-10-05T12:37:00.005-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-3 de octubre de 2008
FITO PÁEZ en el PEPSI MUSIC

RETOMANDO EL ROCK N’ ROLL

En sus últimas presentaciones, Fito se mostraba cantando solo con su piano, promocionando su melancólico Rodolfo (2007). Su performance en este festival fue un giro de tres sesenta. Es impagable la emoción poguera y la sorpresa enorme que nos regaló gracias al retorno de sus hits más roqueros y a una banda (The Killer Burritos) superprolija. Desfilaron como bellas modelos en pasarela: “Enloquecer”, la épica “Al lado del camino”, la oda y la rabia de “Buenos Aires”, “Dar es dar”, las saltarinas “Circo Beat” (incluyendo una evocación a Led Zeppelin con “Heartbreaker”), “A rodar mi vida” y el mega hit “Mariposa Tecnicolor”. Una nueva versión de “11 y 6” puso el toque mágico y romántico. El apoyo de la bella Emme en los coros sirvió para remozar aún más estas composiciones que no son solo clásicos del rock argentino.El momento más efervescente se dio cuando Páez invita a Fer Ruiz Díaz de Catupecu Machu para darle mayor rabia y potencia a “Ciudad de pobres corazones”. Ambos con sus guitarras Gibson y repartiéndose los versos, inocularon a diestra y siniestra un torrente de distorsiones que sacudió todo Nuñez. No sé si en Lima (se presenta este 10 de octubre) hará el mismo show, lo que sí puedo afirmar es que Fito sabe macerarse muy bien con los años. Apenas llegue el lunes corro hacia un Musimundo para comprar su último disco en vivo.

HENRY FLORES

descarga el audio

2008-10-04T15:36:00.005-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-2 de octubre de 2008
NINE INCH NAILS en el PEPSI MUSIC 2008

UN HALO POTENTE, ALUCINANTE Y ESTREMECEDOR

Luego de presenciar este show único en su especie, quedé sin palabras, y sigo sin ellas. Ni recurriendo a un diccionario puedo encontrar los adjetivos, sustantivos y verbos que necesito para describir lo que vi, lo que degusté, lo que me impresionó.

No solo hubo potencia roquera (“March of the pigs”, “Closer”), electrónica demencial (“The Warning”), calma absoluta (“zero-sum piano outro”) o efectos cinematográficamente futuristas (“The Vessel”). También, hubo, ¡Oh Dios mío!, encuentros con “otros mundos”, porque nadie podrá refutarme que lo que se vio en “Only” pertenece a otra dimensión: una pantalla gigante delante de los músicos, vista como un televisor que no capta señal, en estática, donde se forman agujeros negros cada vez que Trent Reznor (genio abosulto) canta, dejándose ver detrás de esa difusa manta. Nadie, absolutamente nadie, fue indiferente a esta demostración de poder sobrenatural.

Alberto Fuguet en su blog da algunas razones para ver un concierto de NIN. Después de haberlos visto aquí en Buenos Aires, durante dos horas, con el riesgo de una fisura en una de mis costillas, me permito agregar una razón más: VALE LA PENA VER A NINE INCH NAILS PORQUE PUEDES VIAJAR AL MÁS ALLÁ Y VIVIR PARA CONTARLO.
HENRY FLORES

*descarga el concierto

"the vessel"-Pepsi Music 2008:

"only"-Pepsi Music 2008:

2008-10-04T14:32:00.007-05:00

Club Ciudad de Buenos Aires, Argentina-2 de octubre de 2008
BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB en el PEPSI MUSIC 2008

ROCANROLERO Y LISÉRGICO

Los Black Rebel Motorcycle Club inauguraron las noches internacionales del PEPSI MUSIC con una pequeña, pero potente, pirotecnia sónica. Robert Turner y Peter Hayes, intercambiando vocales, guitarras y bajos, se pasearon en el escenario como en su casa, por algo esta es la tercera vez que tocan, en solo un año, en estas tierras bonaerenses.

Sintiéndose locales, supieron poner el pie fuerte desde el arranque con una trilogía goleadora: "666 Conducer", "Stop" y "Berlin". Los que estuvimos allí, no nos quedó más remedio que dejarnos golear con cada ráfaga salida de esas cuerdas. La nueva baterista, Leah (The Raveonettes), le dio muy bien a los parches; desde los primeros tarolazos mandó al olvido al desaforado Nick Jago. “Took Out a Loan”, de su último disco Baby 81, sonó tan brutalmente garajero que hizo que nuestros cuellos se volvieran más flexibles que el de un avestruz.

El final fue una oda al desenfado musical y a la interacción con la gente: Turner lanzado sobre el público, sin despegarse jamás de su bajo, sin parar de tocar las notas de “Whatever happened to my rock n’ roll”, desvaneciéndose entre humos rojos. ¡Vuelvan cuando quieran muchachos!

HENRY FLORES

"Took out a loan"-Pepsi Music 2008